François-Joel Thiollier è uno dei più completi pianisti e musicisti contemporanei. Franco-americano di nascita, ha assimilato il meglio di diverse culture; nato a Parigi, ha dato il suo primo concerto a New York all’età di 5 anni. Ha proseguito gli studi musicali in Francia sotto la guida di Robert Casadesus. Successivamente si è perfezionato negli Stati Uniti con Sascha Gorodnitzki alla Juilliard School of Music, laureandosi con il massimo dei voti in tutte le materie sia accademiche che musicali all’età di 18 anni. Thiollier ha vinto 8 «Grands Prix», risultato senza precedenti in concorsi internazionali, fra cui “Reine Elisabeth” del Belgio e “Tchaikowski” di Mosca.

Il suo vastissimo repertorio, la sua eccezionale cultura musicale e la sua padronanza della tastiera sono la chiave del suo successo internazionale. Thiollier suona oggi in più di 40 Paesi con le più prestigiose orchestre (Filarmonica di Leningrado e Mosca, Concertgebouw di Amsterdam, Residentie Orkest dell’Aja, Orchestra della Rai di Torino, Santa Cecilia, Orchestre de Paris, Orchestre National de France, London Symphony Orchestra), e nelle sale più importanti (Théatre des Champs Elysées, Berliner Philharmonie e Konzerthaus, Bunka Kaikan e Suntory Hall Tokyo, Palais des Beaux Arts di Bruxelles, Auditorium di Madrid, La Scala, La Fenice, la Sydney Opera House Concert Hall).

La sua interpretazione del Concerto di Busoni alla Philharmonie di Berlino è stata così recensita: “Thiollier, un pianista al di sopra di ogni paragone, ha stupefatto ed affascinato il pubblico con una tecnica pazzesca, una raffinata eleganza, un compiuto senso del suono e, infine, qualità non delle minori, con una musicalità piena di generosità». Thiollier è stato promosso “Cavaliere Grande Ufficiale” nell’ordine Francese “Arti e Lettere” nel 2003.

Dániel Somogyi-Tóth, direttore

Erica Piccotti, violoncello

La Kodály Philharmonic è l’orchestra della città di Debrecen, seconda città ungherese, dopo Budapest. Il primo concerto risale al 13 maggio 1923 con la denominazione di Debrecen MAV Philharmonic Orchestra ed in breve tempo divenne una delle principali orchestre ungheresi sotto la guida di Emil Abrányi.

Nel 1951 Vilmos Rubányi fu nominato direttore e, oltre ai concerti organizzati in tutta l’Ungheria, partecipa alle rappresentazioni del lirico Teatro Csokonai. Negli anni ‘90 il Comune di Debrecen ha riconosciuto l’alto valore e fondamentale ruolo nella vita culturale della città e della regione ed ne ha assunto il sostegno e patricinio. L’orchestra collabora con frequenza con il Coro Femminile Kodály, fondato da Gyorgy Gulyás. L’orchestra è stata guidata da direttori ungheresi di fama come János Ferencsik, Adam Medveczky, János Kovács, András Ligeti, Tamás Vásáry e Zoltán Kocsis, e da diversi famosi direttori internazionali come Carlo Zecchi, Lamberto Gardelli, Carlo Dutoit, Karel Ancerl e Kobayashi Ken-Ichiro. Oltre che con solisti ungheresi come Annie Fischer, Dezso Ránki, Zoltán Kocsis, Miklòs Perényi, Jeno Jandò e Gergely Bogányi, l’orchestra ha effettuato concerti con la partecipazione di Gidon Kremer, Martha Argerich, Gyorgy Sándor, Sándor Végh, Lazar Berman ed Igor Oistrakh.

Dal 2011 l’orchestra si esibisce, con il permesso della signora Kodály, Sarolta Péczely, con la denominazione attuale di Kodály Philharmonic Debrecen. Dallo stesso 2011 Dániel Somogyi-Tòth è il Direttore generale ed artistico con l’obiettivo di dare all’orchestra maggiore reputazione e fama e sostenere la missione artistica del compositore ungherese con l’esecuzione di tutte le sue opere. L’orchestra è stata invitata più volte in Francia, Italia, Germania, Svizzera, Austria, Polonia, Slovacchia, Bulgaria, Romania, Paesi Bassi, Belgio, Lussemburgo, Corea del Sud e Marocco. Recentemente ha collaborato con Ravenna Festival alla realizzazione del trittico “Lungo il Danubio”.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Critici, colleghi e pubblico sono concordi nel considerare Shlomo Mintz uno dei maggiori violinisti del nostro tempo, stimato per la sua impeccabile musicalità, versatilità stilistica e padronanza tecnica. Nato a Mosca nel 1957, due anni dopo è emigrato con la famiglia in Israele dove ha iniziato a studiare con Ilona Feher. A undici anni ha debuttato con la Israel Philharmonic Orchestra e a sedici anni ha debuttato alla Carnegie Hall di New York con la Pittsburgh Symphony Orchestra, suo mentore fu il grande violinista Isaac Stern. Ha poi continuato gli studi con Dorothy DeLay alla Julliard School of Music di New York. Ha collaborato con direttori storici come Sergiu Celibidache, Pablo Casals, Eugene Ormandy, Claudio Abbado, Lorin Maazel, Mistislav Rosptropovich, Carlo Maria Giulini e continua a collaborare con le orchestre più celebri e i direttori più noti della scena internazionale, esibendosi in recital e concerti di musica da camera in tutto il mondo. E’ attivo anche come violista, esibendosi con i migliori quartetti d’archi ed ensemble da camera e in recital. Ha vinto numerosi premi quali il Premio Accademia Musicale Chigiana di Siena, il Diapason d’Or, il Grand Prix du Disque, il Gramophone Award e l’Edison Award. Nel 2006 ha ricevuto la laurea honoris causa dall’Università Ben-Gurion di Beersheba. Oltre ad essere violinista e violista Shlomo Mintz ha aggiunto al suo curriculum artistico il ruolo di direttore d’orchestra dirigendo le più importanti orchestre internazionali. E’ patrono e uno dei fondatori del Keshet Eilon International Violin Mastercourse in Israele (un programma estivo di livello avanzato per giovani violinisti di talento che da tutto il mondo convergono a Kibbutz Eilon). Dal 2013 tiene regolari masterclass a Crans Montana in Svizzera, dove è anche direttore artistico del festival. Ha fatto parte della giuria di importanti concorsi internazionali di violino, come il Tchaikovsky di Mosca e il Queen Elisabeth International Music Competition di Bruxelles.                                              

Enrico Dindo nasce a Torino da una famiglia di musicisti. Nel 1997 conquista il Primo Premio al Concorso “Rostropovich” di Parigi, da quel momento inizia un’attività da solista che lo porta ad esibirsi in moltissimi paesi, con orchestre prestigiose, al fianco di importanti direttori tra i quali Riccardo Chailly, Aldo Ceccato, Gianandrea Noseda, Myung-Whun Chung, Paavo Järvj, Valery Gergev, Riccardo Muti e lo stesso Mstislav Rostropovich. Nel 2010 e nel 2013 è stato in tournée con la Leipziger Gewandhaus Orchester, diretta da Riccardo Chailly con concerti a Lipsia, Parigi, Londra e Vienna, ottenendo un notevole successo personale. E’ ospite in numerosi festival prestigiosi e sale da concerto di tutto il mondo; ha partecipato allo Spring Festival di Budapest, alle Settimane Musicali di Stresa, al Festival delle Notti Bianche di San Pietroburgo.

È ospite regolare dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia. Tra gli autori che hanno creato musiche a lui dedicate, Giulio Castagnoli, Carlo Boccadoro, Carlo Galante e Roberto Molinelli. Con la fondazione dell’Ensemble I Solisti di Pavia, Enrico Dindo inizia nel 2001 un percorso di avvicinamento alla direzione d’orchestra che lo ha portato a collaborare recentemente con l’Orchestra Giovanile Italiana, l’Orchestra della Svizzera Italiana e con la Filarmonica della Scala. Nel 2014 è stato nominato direttore musicale e principale dell’Orchestra Sinfonica della Radio di Zagabria. Insegna presso il Conservatorio della Svizzera Italiana di Lugano e presso la Pavia Cello Academy ed ai corsi estivi dell’Accademia T. Varga di Sion. Nel 2012 è stato nominato Accademico di Santa Cecilia. Nello stesso anno la Chandos ha pubblicato i concerti di Shostakovich, incisi con la Danish National Orchestra diretta da Gianandrea Noseda, riscuotendo un immediato consenso della critica internazionale. Enrico Dindo suona un violoncello Pietro Giacomo Rogeri (ex Piatti) del 1717 affidatogli dalla Fondazione Pro Canale.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Libero adattamento dal racconto di Antoine de Saint-­Exupéry

uno spettacolo di e con Bustric (Sergio Bini)

e con il Duo pianistico Paola Biondi, Debora Brunialti

La musica è come l’acqua, prende la forma del recipiente dove la si mette pure restando sempre acqua. Con questo gioco di parole Bustric ci informa che la musica rende liberi gli spettatori e gli attori, perché pure essendo uguale per tutti, è diversa per ognuno. Ognuno la può interpretare come vuole. La musica è un compagno di viaggio capace di divenire protagonista in ogni istante senza mai essere prevaricatrice. Da molti anni Bustric compone e gioca con storie e personaggi che con la musica dialogano. Il suo mondo fatto di magia, giochi di prestigio, giocolerie, pantomima e parole, si sposa magnificamente bene con questa antichissima arte che, certo, è nata con l’uomo.

Questo Piccolo Principe liberamente ispirato all’opera di Antoine de Saint-Exupéry ne è una prova. Il racconto che tutti conoscono diviene spunto di scene che si dilatano e creano sorprese. Del Piccolo Principe si cerca qui la meraviglia nascosta dietro le parole. È una rappresentazione libera e leggera, dove la scena semplice per scelta e necessità si trasforma a seconda del momento, divenendo ogni volta paesaggio e spazio magico, diverso. Il gioco stesso racconta e diviene storia.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Antonio Sanchez, batteria
Chase Baird, sassofoni
John Escreet, pianoforte
Orlando le Fleming, contrabbasso
Thana Alexa, voce

Da quando è arrivato a New York alla fine del 1990, Antonio Sanchez ha subito fatto capire quali fossero le sue capacità. Sanchez estrae un’incredibile varietà di colori della batteria, straordinari cambiamenti dinamici, suggestioni sottili, metriche complesse e un modernissimo uso delle clave. Sanchez non solo abbaglia con la sua tecnica ma, fatto più importante, swinga secondo il senso che la parola ha nella vecchia scuola. Attraverso registrazioni come quelle realizzate con Chick Corea, Michael Brecker, Gary Burton, Avishai Cohen, Miguel Zenon, Donny McCaslin e Pat Metheny, il pubblico del jazz hapotuto conoscere la brillante evoluzione di un batterista di un livello assoluto. L’album di debutto di Sanchez “Migration” (Cam Jazz, 2007) ha ottenuto una calorosa accoglienza dalla critica specializzata collocandosi fra i lavori più acclamati di quell’anno grazie alla partecipazione di vecchi amici (Corea e Metheny), a una musicalità eccezionale e a melodie memorabili che lo rendono tecnicamente avvincente e facilmente fruibile.

Antonio Sanchez è nato a Città del Messico il primo novembre 1971, nipote di una leggenda del cinema messicano, Ignacio Lopez Tarso. Si interessa alla batteria precocemente suonando rock con diversi gruppi locali. Dopo la scuola si iscrive al conservatorio conseguendo la laurea per poi tesferirsi a Boston dove vince diverse borse di studio, in particolare il Memorial Scholarship Buddy Rich e il Premio Zildjian. Nel 1997 il suo insegnante Danilo Perez lo consiglia a Paquito D’Rivera per la Dizzy Gillespie Orchestra delle Nazioni Unite. Più tardi, quello stesso anno, entra a far parte del trio acustico di Danilo Perez col quale parte per un intenso tour internazionale e con lui realizza l’album “Motherland” che riceve una nomination per il Grammy. Pochi anni dopo Sanchez incontra Pat Metheny che lo invita a unirsi al suo gruppo. Il debutto di Sanchez con il Pat Metheny Group avviene con l’album “Speaking of Now” del 2002, vincitore del Grammy Award nella categoria “Best Contemporary Jazz Album” Da allora, Sanchez è membro stabile dei gruppi di Metheny. Oggi, Sanchez è uno dei batteristi più richiesti della scena jazz internazionale. Ha collaborato con mostri sacri come Chick Corea, Gary Burton, Kenny Werner, Charlie Haden, Dee Dee Bridgewater, Dianne Reeves, e Toots Thielmans e ondivide il percorso della nuova generazione di musicisti che comprende Joshua Redman, Chris Potter, John Patitucci, David Sanchez, Marcus Roberts, Avishai Cohen, Miguel Zenon, Scott Colley, Dave Samuels, Luciana Souza, Billy Childs, e Claudia Acuña, per citarne solo alcuni. Nel 2007 ha pubblicato “Migration” il suo primo album per CamJazz al quale sono seguiti “Live in New York at Jazz Standard” (2010), “New Life” (2013), “Three Times Three”(2014), tutti molto interessanti. Nel 2015 ha vinto il Golden Globe per la colonna sonora del film “Birdman”di Alejandro Gonzales Inarritu. In questi giorni, sempre per CamJazz, viene pubblicato “Lines In The Sand”, il nuovo lavoro di Antonio Sanchez & Migrations.

EMILIA ZAMUNER QUARTET

Emilia Zamuner, voce
Mino Lanzieri, chitarra
Antonio Napolitano, contrabbasso
Massimo Del Pezzo, batteria

NEW TALENTS JAZZ ORCHESTRA
diretta da Mario Corvini
“Our Monk”
special guest Vittorio Cuculo

Emilia Zamuner e Massimo Moriconi, rispettivamente voce e contrabbasso, affrontano un repertorio che svaria tra composizioni inedite e celebri brani della canzone e del jazz: un percorso compiuto con arrangiamenti nuovi, moderni ed originali e con l’attitudine, allo stesso tempo, solida e divertita che accomuna i due musicisti.
Nata a Napoli nel 1993, Emilia Zamuner ha già collezionato collaborazioni importanti e un’intensa attività concertistica che l’ha portata ad esibirsi in Italia e all’estero. Nel 2016 si classifica al primo posto del “Premio Internazionale Massimo Urbani”. Massimo Moriconi ha registrato in oltre trecento dischi – una trentina quelli realizzati con Mina – ed è stato, a partire dagli anni ’80, il bassista dell’Orchestra dei Ritmi Leggeri della RAI di Roma, esperienza che gli ha dato modo di suonare, tra gli altri, con Jerry Lewis e Liza Minnelli. Per fare solo alcuni nomi tra le sue collaborazioni in ambito jazzistico, si possono citare artisti del calibro di Tal Farlow, Lee Konitz e Chet Baker.

“Our Monk” è il progetto musicale dedicato dalla New Talents Jazz Orchestra al genio di Thelonious Monk, artista eclettico e originale. Dagli anni ’40 ad oggi, le sue composizioni sono tra le più suonate nel repertorio jazz, ma gli arrangiamenti, pensati e realizzati ad hoc dai giovani talenti della band, daranno una visione della sua musica fuori dagli schemi strutturali. Il materiale compositivo di Thelonious Monk è il punto di partenza delle composizioni originali realizzate dall’orchestra, che opera trasformando i pattern e i riff originari in opere nuove, così da mantenere una linea stilistica unica, rendendo l’opera fluida e innovativa. Il progetto “Our Monk” è promosso da Fondazione Musica per Roma con il sostegno del MiBAC e di SIAE, nell’ambito dell’iniziativa “Sillumina – Copia privata per i giovani, per la cultura”.
La New Talents Jazz Orchestra è diretta da Mario Corvini ed è formata da alcuni tra i talenti più significativi del panorama romano e nazionale. Come solista per il concerto in programma nell’ambito di Jazz ‘n Fall, la formazione presenta il giovane e talentuoso sassofonista Vittorio Cuculo.

con il sostegno del MiBAC e di SIAE
nell’ambito dell’iniziativa “Sillumina – Copia privata per i giovani, per la cultura”

“Voce di terra”
Musica e direzione Paola Crisigiovanni

“Voce di Terra” è il concerto composto e diretto da Paola Crisigiovanni che vede sul palcoscenico del Teatro Massimo il Fabrizio Bosso Quartet e l’Estro String Orchestra. Paola Crisigiovanni dirige l’Estro String Orchestra (Prisca Amori, violino di spalla) e suona il pianoforte. Il Fabrizio Bosso Quartet è invece composto da Fabrizio Bosso alla tromba, Julian Oliver Mazzariello al pianoforte, Jacopo Ferrazza al contrabbasso e Nicola Angelucci alla batteria.

“Voce di terra” è la voce dell’uomo. Dell’uomo consapevole di vivere ogni momento come unico, irripetibile, nel “qui ed ora”. Uomo cosciente di essere fatto anche di storia, vissuto e ricordo. Nella musica ciò diventa creazione istantanea, improvvisazione sovrapposta a composizioni che, pur se generate in questo periodo storico, mantengono volutamente la memoria della musica composta nei secoli passati. Molteplici gli spazi sonori appartenenti a linguaggi che per molti anni hanno mantenuto collocazioni lontane a causa delle loro distanze geografiche, temporali e socio-culturali; qui sovrapposti, coesistenti e che mantengono a tutto tondo le loro caratteristiche. L’organico prevede strumenti e solisti che saranno in grado di trasportare l’ascoltatore in luoghi dove, senza che nulla venga strappato dalla propria natura, senza aperture forzate di varchi tra uno spazio e l’altro, in una sorta di coesistenza di “mondi paralleli”, il viaggio musicale avrà come caratteristica la libertà improvvisativa entro forme compositive strutturate, la ricerca del suono concepito nella scrittura cameristica insieme alle estemporanee dinamiche del gruppo jazz. Perché è nell’unità che troviamo le infinite forme e trasformazioni; nell’unità si ritrovano le voci empatiche dei singoli. E come ogni singola nota è la risultante di “invisibili” armoniche così ogni voce di terra porta con sé la vita di un’intera umanità.

Alessandro Lanzoni è uno dei talenti più interessanti del panorama jazzistico italiano, capace di farsi vale anche sui palchi europei più prestigiosi. L’assegnazione del “Top Jazz 2013” come miglior nuovo talento, attribuito dai più qualificati giornalisti italiani per la rivista Musica Jazz, colloca ormai a pieno titolo Alessandro Lanzoni fra gli artisti di maggiore personalità del jazz italiano e testimonia la crescita artistica di un musicista emerso sin da giovanissimo con la vittoria, a soli 14 anni, del Premio Internazionale Massimo Urbani (2006) e proseguita col Primo Premio al “Luca Flores” di Firenze (2008), fino all’assegnazione del premio “Best Young Soloist” al prestigioso concorso “Martial Solal” di Parigi (2010). Dopo i primi Album realizzati con Philology, con l’uscita di “Dark Flavour” ha iniziato una collaborazione con l’etichetta CAMJazz, con cui ha inciso anche “Seldom” – che vede oltre al trio formato con Matteo Bortone ed Enrico Morello, anche la prestigiosa presenza del trombettista statunitense Ralph Alessi – e “Diversions” in piano solo Presente fin da giovanissimo nei cartelloni dei più importanti Festival italiani, la sua attività lo ha portato a suonare al fianco di prestigiosi musicisti, tra cui Kurt Rosenwinkel, Lee Konitz, Aldo Romano, Roberto Gatto, Enrico Rava, Jeff Ballard, Larry Granadier, Ambrose Akinmusire.

INFERNO DA CAMERA DANTE IN “3D”
Fantasia dantesca/lisztiana per trio e terzine dantesche

di e con Luigi Maio “il Musicattore”^®

e
Piero Binchi, violino
Alfonso Patriarca, fagotto
Annamaria Piva, pianoforte

Inferno da Camera è una fantasia teatral cameristica che vede Luigi Maio, nelle vesti di Musicattore^®, dialogare con un Trio composto da Pianoforte, Violino e Fagotto. Ad esso Maio affida una partitura dove, alla recitazione di alcuni suggestivi passi dell’Inferno dantesco, alterna brani da lui composti in stile lisztiano/paganiniano e citazioni originali delle opere più emblematiche di Franz Liszt, di cui Maio ha curato la riscrittura per trio: alla “bufera infernal che mai non resta”, farà eco il turbinio cromatico della “Dante Symphonie”. Alle malizie di Malebranche e Barattieri risponderanno gli sberleffi dell’Allegro scherzando del “Concerto n. 1” o della “Mephisto Polka”. Ai sospiri di Ulisse si uniranno i singhiozzi dell’incipit del “Concerto n. 2”.

Le grida rabbiose del “mal seme d’Adamo” cozzeranno contro la solennità della “Totentanz”. Sarà concessa anche qualche ironica ‘intrusione’: una Barcarola in minore à la Offenbach accompagnerà la remata di Caronte, mentre quel ‘folletto’ di Gianni Schicchi, azzannando rabbioso i compagni di pena, addolcirà un po’ il suo mordente nelle pagine dell’omonima opera di Puccini, di cui il genovese Musicattore® ne canterà l’aria unendo la sua voce baritonale alla personale riduzione strumentale del brano pucciniano… L’intento, infine, è quello di offrire nuovamente al pubblico più trasversale un gioco ludico e didattico, la prima mappa teatral-musicale dell’Inferno dantesco (o la prima mappa dantesca della musica classica) in cui Liszt fa quasi le veci di Virgilio e dove la poesia dell’Alighieri si sposa alle note di un artista romantico in perpetua oscillazione tra Dante, Goethe e Paganini.

Con Inferno da Camera Luigi Maio è stato ospite all’Ambasciata Italiana a Londra, ha ricevuto il Premio del Centro Internazionale di Studi Italiani, nonché la definizione di «Dante in “3D”» da parte del noto medievista Prof. Mosetti-Casaretto, il quale afferma che: «è la prima volta che mi capita di assistere a uno spettacolo, in cui non ci si limita a leggere la Commedia, ma la si recita come una partitura drammatica: ciò significa che a ciascun personaggio viene data una singola espressività, ogni personaggio viene rilevato per così dire in “3D” perché intagliato e definito “a tutto tondo”; scontornato espressivamente dalla parte narrativa del testo, emerge quindi come voce singola e, dunque, come persona individuale e come anima».

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Cecilia Ziano, violino

Clara Franziska Schötensack, violino

Francesca Piccioni, viola

Giorgio Casati, violoncello

Il Quartetto Lyskamm (una delle vette del Monte Rosa) è stato fondato nel 2008 al Conservatorio di Milano ed è composto da quattro musicisti italiani under 35. In pochi anni ha raccolto consensi unanimi e riconoscimenti internazionali; risale al 2016 il prestigioso premio speciale per la musica da camera intitolato alla memoria di Claudio Abbado assegnato dal Borletti Buitoni Trust. Negli anni precedenti il quartetto ha ricevuto il secondo premio e il premio speciale Pro Quartet al concorso internazionale Franz Schubert und die Musik der Moderne di Graz, il premio Vittorio Rimbotti dell’Accademia Europea del Quartetto, il premio della Jeunesse Musicale Deutschland, la borsa di studio della Ad Infinitum Foundation ed il primo premio al concorso della Possehl Stiftung di Lubecca.

Nel settembre 2017 il quartetto ha vinto il primo premio al Gianni Bergamo Classic Music Award di Lugano. Il Lyskamm sceglie fin dalla nascita di affidarsi a insegnanti di prestigio. Dal 2009 al 2011 è stato allievo del Quartetto Artemis all’Università delle Arti di Berlino e in seguito ha partecipato al circuito ECMA (European Chamber Music Academy). Ha poi proseguito il proprio perfezionamento sotto la guida di Heime Müller presso l’università di Lubecca e con i componenti del Cuarteto Casals. È stato ospite di numerose società concertistiche in Italia e in Europa, tra le quali la Società del Quartetto di Milano, l’Unione Musicale e Lingotto Musica a Torino, il Teatro Verdi di Trieste, il Ravenna Festival, il Teatro Principal Ourense e il Conde Duque Cultural Center di Madrid (Spagna), il Festival internazionale Quatuor a Bordeaux (Francia), l’Aldeburgh Music Festival (Gran Bretagna), il Brahms Festival di Lubecca e il Rheingau Musik Festival (Germania). Ha collaborato in quintetto con Mario Brunello, Alessandro Taverna, Simone Rubino, Gabriele Carcano e con l’attore Giuseppe Cederna in uno spettacolo dedicato a Franz Schubert e Giacomo Leopardi. Dal 2014 il Quartetto Lyskamm è impegnato nei progetti di circuitazione promossi in Italia e in Europa dal Cidim.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Laura Pietrocini, pianoforte

Marco Fiorentini, violino

Valeriano Taddeo, violoncello

Fin dal suo esordio nel 2001, l’Ars Trio di Roma si è imposto come una delle giovani formazioni più interessanti del panorama italiano. Perfezionatosi sotto la guida del Trio di Trieste presso l’Accademia Musicale Chigiana di Siena, nello stesso anno l’Ars Trio consegue il 1° Premio assoluto nel prestigioso Concorso Internazionale “Premio Trio di Trieste” di Trieste, ultimo ensemble italiano ad aver conseguito tale riconoscimento. Da allora l’Ars Trio è stato ospite di importanti e prestigiose associazioni concertistiche italiane. Per Radio3 Rai si è esibito nella rassegna “I Concerti del Quirinale”, trasmessi in diretta radiofonica nazionale ed europea.

Intensa anche l’attività all’estero: nel 2002, su invito del Cidim, il Trio è stato impegnato in una lunga tournée in Sud America (Cile, Argentina, Uruguay e Brasile), dove si è esibito in grandi teatri, con diretta radiofonica nazionale a Montevideo e diretta televisiva per la Radio Televisione brasiliana Tv Globo di Rio de Janeiro. Negli anni successivi il Trio è stato invitato ad esibirsi presso prestigiose sale e in importanti festival europei. Forte di un repertorio completo che spazia dal classico al moderno (Mozart, Beethoven, Brahms, Schubert, Schumann, Dvorak, Ravel, Shostakovic) il Trio è da sempre molto attento anche alla musica contemporanea, eseguendo regolarmente autori come Copland, Shchedrin, Kagel e Henze; nel 2005 ha eseguito in prima esecuzione assoluta il Triplo Concerto per violino, violoncello, pianoforte e orchestra di Michele Dall’Ongaro, composizione espressamente dedicata al Trio.

Nel 2007 ha eseguito in prima italiana il Segundo Trio di Luis De Pablo. Nel 2006 la rivista Amadeus gli ha dedicato la propria copertina per l’incisione dell’integrale delle opere per trio di Shostakovic pubblicata dal mensile. Dal 2005 il Trio è coinvolto nella promozione e diffusione musicale, anche come direzione artistica, di “Musica in Ateneo – dal Barocco a oggi”, rassegna espressamente rivolta al mondo giovanile per una fruizione gratuita e di qualità della musica classica e contemporanea negli spazi dell’Università.

Musiche di P.I. Ciaikovskij

Coreografie M. Petipa

Tra i capolavori ballettistici dell’ottocento, La Bella Addormentata  rappresenta il massimo dell’espressione classica, in un clima di astrazione teatrale, con più risalto alla danza pura rispetto alle vicende narrative.

Fiore all’occhiello per il Balletto di San Pietroburgo con le favolose e incantate scenografie e costumi e le stupende musiche di P.I. Ciaikovskij, con le coreografie originali di Marius Petipa, La bella addormentata è considerato uno dei più grandi balletti della Russia imperiale.

Questa produzione è entusiasmante, con il suo finale romantico con tutti i personaggi delle fiabe che si possano immaginare. La Bella Addormentata è proiettata in un futuro meraviglioso, ora come prima, quando si addormentò, più di cento anni fa.

Le melodie – Debussy era poco più che un ragazzo, studiava al Conservatorio di Parigi senza troppo successo ma, quasi in segreto, scriveva delle liriche di rara bellezza destinate ad una dama della buona borghesia parigina fornita di una bellissima voce di soprano leggero e di uno charme  un po’ civettuolo che riuscì a incatenare il cuore e i sensi di quel musicista in erba. Tra queste liriche, che paiono spesso frementi dichiarazioni d’amore, si trovano i primi capolavori di Debussy. Vi si riconosce qualcosa di inconfondibilmente fluido ed elegante che irradia già un poco di quello splendore che avvolgerà parecchi anni dopo i capolavori di “Claude de France”. Queste liriche , e naturalmente quelle che sarebbero seguite negli anni, costituiscono una specie di diario intimo e profondo che vale la pena di narrare, rievocare ed ascoltare, poiché sorpresa e meraviglia ci attendono ad ogni battuta.

Lorna Windsor comincia i suoi studi musicali fin dall’infanzia con lo studio del pianoforte e della viola. Studia successivamente pianoforte e canto alla Guidhall School of Music and Drama di Londra con Ellis Keeler e Johanna Peters. In Francia studia con Gérard Souzay e si perfeziona presso Graziella Sciutti per il repertorio mozartiano e italiano. Lorna Windsor dedica una gran parte della sua attività concertistica alla musica da camera, il Lied, la melodia francese e le canzoni americane. È insegnate al conservatorio “G. Verdi” di Milano.

Antonio Ballista, pianista, clavicembalista e direttore d’orchestra, ha studiato al Conservatorio “G. Verdi” di Milano nella classe di Antonio Beltrami. Si è esibito in duo con Bruno Canino per oltre 50 anni. Per via della sua predilezione per il repertorio vocale da camera, Antonio Ballista è uno degli accompagnatori più apprezzati dai cantanti in Italia. Alla ricerca di un ensemble che gli permettesse di proporre la musica più significativa del XX° secolo, Ballista ha fondato il gruppo NovecentoeOltre, costituito da musicisti eccellenti, per proporre delle esecuzioni piene di poesia e immaginazione.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

La vittoria del Grand Prix al Concorso Chopin del 1975 ha aperto a Krystian Zimerman le porte di una brillante carriera internazionale che lo vede protagonista con i più celebri direttori e orchestre e sui palcoscenici delle più importanti sale da concerto. Importanti anche gli incontri con i più grandi musicisti di oggi in formazioni cameristiche. Nel 2013, in occasione del 100° anniversario della nascita di Lutoslavski, Zimerman ha suonato il Concerto per pianoforte, a lui dedicato, con le più importanti orchestre internazionali, e lo ha inciso con i Berliner Philharmoniker e Sir Simon Rattle per la DGG.

Da molte stagioni viaggia con il suo pianoforte: l’essere completamente tranquillo per ciò che riguarda lo strumento, gli ha permesso di eliminare o di ridurre al minimo tutto ciò che potrebbe distrarlo da questioni puramente musicali. Ha sviluppato un analogo approccio nei confronti della registrazione discografica. Durante i 30 anni di collaborazione con la Deutsche Grammophon, ha inciso numerosi dischi che hanno ricevuto importanti premi. Nel 1999 ha registrato i Concerti di Chopin con un’orchestra costituita appositamente per questo progetto. Tra le esecuzioni storiche che lo hanno posto per sempre nell’olimpo della musica classica, ci sono quella con i Wiener Philharmoniker il 10 febbraio 1985, la sua interpretazione del Concerto per pianoforte di Robert Schumann sotto la direzione di Herbert von Karajan, e i Concerti n. 3, 4 e 5 di Beethoven nel settembre 1989 sotto la direzione di Leonard Bernstein. Ultimo CD pubblicato: Lutoslawski Concerto per pianoforte – Berliner Philharmoniler/Sir Simon Rattle.

Nel corso degli anni Zimerman ha ricevuto numerosi premi internazionali: la Legione d’Onore francese,  il Premio dell’Accademia Musicale Chigiana di Siena e il Leonie-Sonning Prize. Gli è stato conferito il Dottorato Honoris Causa dell’Università di Katowice e la prima e più alta onorificenza per personaggi non legati al Corpo militare, la croce al merito con stella. Zimerman divide il suo tempo tra la famiglia, l’attività concertistica e cameristica. Si è posto il limite di 50 concerti all’anno ed ha un’aderenza totale alla sua professione: organizza personalmente la gestione della sua carriera, studia l’acustica delle sale da concerti, le ultimissime tecnologie di registrazione e della costruzione degli strumenti. E’ inoltre appassionato di psicologia e computer.

Judith Hamza, violino

Stefania Franchini, violino

Silvio Di Rocco, viola

Stefano Morgione, viola

Massimo Magri, violoncello

Il Quintetto Elise è formato da musicisti che hanno condiviso un tratto significativo del loro percorso  professionale in due tra le più rappresentative compagini cameristiche del panorama nazionale e internazionale come I Musici di Roma e I Solisti Aquilani.

Il programma prevede un’opera giovanile di Donizetti, e due capisaldi del repertorio per questa formazione come l’op. 29 di Beethoven e l’op. 88 di Brahms.

Il quintetto per archi in do maggiore di Donizetti, che risente molto della formazione classica ricevuta da padre Stanislao Mattei al Liceo Musicale di Bologna, è caratterizzata da temi cristallini e una scrittura sobria ma agile e gioiosa.

Composizione stranamente poco eseguita ma vero capolavoro ricco di tematiche affascinanti e complesse, il Quintetto in do maggiore op. 29 “La Tempesta” di L.V. Beethoven è l’unico dei quattro quintetti per archi che nasce espressamente per tale organico. Le altre opere sono infatti rifacimenti di altre composizioni. Alcuni critici ritengono che Beethoven abbia adottato questa tipologia a cinque non tanto per esigenze compositive, quanto per ottenere col raddoppio della viola, una colorazione strumentale più efficace ed una maggiore sonorità. Il quintetto in do maggiore è soprannominato “La Tempesta” per l’impetuoso movimento finale e fu dedicato dall’autore nel 1801 al Conte Moritz von Fries.

Il Quintetto n. 1 in fa maggiore op. 88 fu scritto da Brahms quasi di getto nella primavera dell’estate del 1882 ad Ischl. Già alla fine di giugno di quell’anno la musica di questo lavoro fu data in lettura da Brahms all’amico Theodor Billroth, che in una lettera inviata il 24 ottobre 1882 a Clara Schumann, dice «…ogni tempo è datato “primavera 1882”, e davvero tutto ha suono e soffio di primavera… euforia, gioia, musica di bellezza raffaellesca! Eppure, in tanta semplicità, tutto s’impronta di splendida maestria. Tre tempi concisi, e in ognuno l’arte contrappuntistica conferisce alla bellezza del suono musicale; tutto fluisce con tanta naturalezza da sembrare necessario e inevitabile. Non si può dire che un tempo sia più bello o più significativo, interessante, artistico dell’altro».

Patrick De Ritis, direttore

Sandra Buongrazio, soprano

La ricorrenza dei 50 anni dalla statizzazione del Conservatorio “Luisa D’Annunzio” di Pescara  è l’occasione per dare vita ad una iniziativa istituzionale di grande prestigio che coinvolge le Istituzioni cittadine e, più in generale, abruzzesi sia amministrative di governo che musicali. In 50 anni di attività il Conservatorio “Luisa D’Annunzio” con la sua presenza costante nel territorio della provincia di Pescara, ha formato generazioni di musicisti, sia professionisti che “semplici” amatori, contribuendo, in stretto contatto con le istituzioni cittadine, ad arricchirne la scena culturale sempre ponendosi al servizio della cittadinanza fino a diventare un punto di riferimento artistico e identitario della Città. In questo contesto si inserisce con particolare rilievo la duratura e proficua collaborazione con la Società del Teatro e della Musica “Luigi Barbara”, una sinergia che rappresenta l’ideale momento di sintesi della “missione” culturale dei due enti e che, in questa specifica circostanza, si traduce in sempre nuovi e interessanti eventi che verranno realizzati durante tutto l’arco dell’anno.

L’Orchestra del Conservatorio “L. D’Annunzio” di Pescara nasce nel 2008 con lo scopo di offrire agli studenti sia un approfondimento didattico, sia l’opportunità di un’esperienza formativa a diretto contatto con il mondo del lavoro. Composta da studenti, ex studenti e docenti del Conservatorio, l’Orchestra con la sua regolare attività riempie oggi nel contesto culturale cittadino uno spazio importante, quello dei concerti sinfonico-corali, altrimenti vuoto ed offre anche la possibilità ai giovani talenti del Conservatorio di confrontarsi con un repertorio, quello del solista con l’orchestra, altrimenti di difficile esperienza. È stata ospite del Festival delle Orchestre Giovanili di Ischia e della “Settimana Mozartiana” di Chieti oltre che nelle stagioni delle principali associazioni concertistiche abruzzesi nonchè di alcune delle Marche e del Lazio. Nel suo repertorio – oltre ai brani sinfonici e sinfonico-corali tra cui spicca il “Requiem” di Verdi eseguito per le celebrazioni del bicentenario verdiano e i “Carmina Burana” di Orff – è presente anche l’opera lirica: ha eseguito “Don Pasquale” di Donizetti, “Il Barbiere di Siviglia”, “Il signor Bruschino” e “Cenerentola” di Rossini, “Gianni Schicchi” e “Madama Butterfly” di Puccini, “Cavalleria rusticana” di Mascagni e “Traviata” di Verdi.

A soli vent’anni, nel 2017, Ivan Krpan si è aggiudicato il primo premio al Concorso Pianistico Internazionale Ferruccio Busoni, uno dei concorsi più prestigiosi al mondo.

“Krpan è un radicale pianista. Tutt’uno con lo strumento. Immerso in esso. Senza alcun contatto col mondo esterno che non sia musica. La sua interpretazione emana dallo strumento, non dalla persona. Quando con le lunghe mani cavalca sicuro la tastiera, sembra far affiorare con tranquillità qualcosa che è lì nascosto. Come farebbe un bambino setacciando tra le dita la sabbia, per trovare conchiglie” (Carla Moreni, Il Sole 24 Ore)

“Di Krpan ha impressionato subito la maturità, la disinvoltura e l’autorevolezza con cui ha proposto un programma interpretativamente – più ancora che tecnicamente – difficile, interamente dedicato a Schumann e Chopin […] il solista ha regalato un’interpretazione carica di ardore acceso, timbro controllato con rigore, cantabilità sorretta da un colore fluente e scorrevole” (Bernardino Zappa, L’Eco di Bergamo)

“…le sue grandi mani sembrano fatte apposta per accarezzare i tasti del pianoforte” (Arezzo Ora)

Nato a Zagabria in una famiglia di musicisti, Ivan Krpan inizia lo studio del pianoforte all’età di sei anni sotto la guida di Renata Strojin Richter. Attualmente si perfeziona all’Accademia di Musica della sua città, nella classe di Ruben Dalibaltayan. Già in giovane età si aggiudica importanti premi in concorsi nazionali ed internazionali a Bruxelles, Zagabria, Mosca e in Cina, nei Paesi Bassi e in Germania. Le Jeunesses Musicales in Croazia e la Zagreb Philharmonic Orchestra lo hanno eletto Giovane Musicista dell’anno. Si è inoltre aggiudicato una borsa di studio presso l’Accademia Internazionale di Musica in Liechtenstein. Ha partecipato a numerosi corsi di perfezionamento con docenti di fama internazionale. Il 2018 lo vedrà impegnato in concerti in Italia, Croazia, Norvegia, Russia, Corea del Sud, Hong Kong, e nel 2019 si esibirà in tournée che toccheranno varie città in Germania, Giappone, Italia e Corea del Sud per la seconda volta. Inoltre debutterà in grandi centri musicali quali Monaco di Baviera, Vienna e Londra.

Direzione, Regia & Light Designer Tito Osuna

Ballerini
Nadia Pascual, Daniel Arencibia, Pedro Sanchez, Lisiane Sfair, Pablo Fraile, Benjamin Leiva, Marta Agüero, Alejandra Rodriguez

Musicisti
Paco Soto, chitarra
Pedro Esparza, flauto e sax

Cantanti Paz De Manuel, Desire Paredes

Costumi Marta Agüero

Nel 2017 Tito Osuna fonda il Ballet Flamenco Español per mostrare al mondo la danza spagnola: classica spagnola e flamenco. Nasce così l’idea di creare un balletto che mostri tutti gli stili della danza ispanica rappresentati in scena da solisti appartenenti alle migliori compagnie di flamenco del mondo. Ecco come viene creato lo spettacolo di Flamenco Live. Fin da subito nasce l’interesse da parte dei produttori da diverse parti del mondo.

Tito Osuna appartiene alla quarta generazione di una famiglia dedita al teatro e alle arti. Fin dalla tenera età, segue un percorso di preparazione e studio in diversi ambiti artistici: studia pianoforte con suo nonno Julio Osuna, professore e allievo preferito di Enrique Fernández Arbos, arpa con suo padre José Osuna, balletto classico con Angela Santos. Ha collaborato con numerose Compagnie quali, fra l’altro, Russian Ballet of Maya Plisetskaya, Balletto argentino di Julio Bocca, Balletto Nacional de Cuba, Balletto di Fernando Bujones, Ballet de Boston, Luisillo, Antonio Marquez, Paco de Lucia.

La Carmen, l’opera più suggestiva del compositore e pianista francese Georges Bizet incontra la musica popolare flamenca. Le note sensuali e armoniose sono rappresentate in scena con l’eleganza della danza classica spagnola e la forza pura del flamenco. Il soggetto della Carmen, tratto da una novella di Prosper Mérimée, viene qui interpretato mescolando diversi stili della danza ispanica esaltando il volto di una Spagna antica di toreri e di passionali gitani. Il colore, potente, frutto di una continua ricerca stilistica, impera ovunque sulla scena interpretando con audacia la maestosità dell’opera di Bizet.

Happy 120, Duke!

Duke Ellington
Billy Strayhorn songbook

“Se il jazz è sinonimo di libertà creativa, il duetto ne è la manifestazione più intima e seducente. E due pianoforti – nelle mani di due artisti sensibili – diventano l’iperbole della bellezza sonora”.
Stefano Zenni

Questo concerto rappresenta una occasione unica, il duo Larry Willis-Tony Pancella infatti rende omaggio a Duke Ellington (1899-1974), uno dei più grandi protagonisti del jazz, in occasione del 120° anniversario della sua nascita, eseguendo un programma interamente dedicato alle sue composizioni e a quelle del suo alter ego Billy Strayhorn. La scelta di ripercorrere il repertorio ellingtoniano nasce naturale e non è affatto nuovo per Willis e Pancella: oltre ad averlo da sempre proposto nei concerti,  entrambi condividono un profondo rispetto ed amore per la tradizione del jazz, e il songbook di Ellington/Strayhorn è un veicolo esaltante ed ideale anche per gli elementi di modernità ed innovazione che i due pianisti amano esprimere.

Larry Willis e Tony Pancella iniziano a collaborare nel 2002 con una serie di concerti in Italia e all’estero e successivamente registrando un disco pubblicato dalla prestigiosa etichetta americana Mapleshade Records  accolto con grande favore dalla critica internazionale: JazzTimes definisce il disco “intensamente swingante”, All About Jazz  scrive “un disco di crescente bellezza di invenzioni e suoni”,  Audiophile Audition “disco di gran classe”, Musica Jazz “Pancella e Willis riescono brillantemente nell’impresa grazie alla capacità di ascoltarsi l’un l’altro, capaci di raggiungere un respiro musicale comune”.

Definito dalla BBC il “Van Cliburn dei nostri tempi”, il pianista Alexander Kobrin si colloca fra gli interpreti di primissimo piano oggi nel mondo. Il New York Times lo ritiene una preziosissima guida alle visioni ultraterrene e spirituali della musica di Schumann, in grado di esplorarne gli angoli più ombrosi così come le infiorescenze, il tutto riprodotto in lussuosi ritratti. L’esperienza di ascoltare Alexander Kobrin dal vivo è stata descritta al meglio da Nick Rogers: “L’abbagliante destrezza di Kobrin è sicuramente supernaturale da vedere, ma il suo talento e la sua esecuzione sono assolutamente umani”.

Kobrin è nato a Mosca nel 1980 e ha  iniziato  lo studio del pianoforte all’età di cinque anni alla celebre Scuola Speciale di Musica Gnessin, perfezionandosi  successivamente al Conservatorio Tchaikovsky con eminenti docenti quali Tatiana Zelikman e  Lev Naumov. Nel 2005 ha vinto il primo premio al Concorso Van Cliburn, dopo aver ottenuto lo stesso riconoscimento ai Concorsi Busoni di Bolzano, a Glasgow e all’Hamamatsu. Pochissimi pianisti al mondo possono vantare un Palmarès di questa natura. Da allora è ospite della New York Philarmonic, della Tokyo Philarmonic, della Russian National Orchestra, della Berliner Symphony, della BBC Symphony, collaborando con direttori quali Michail Pletnev, Vassily Petrenko, Yuri Bashmet, Mark Elder, Mikhail Jurowsky, James Conlon, Claus Peter Flor, Alexander Lazarev. Ha tenuto recital nelle più prestigiose sale del mondo ed è stato ospite dei più importanti Festival in Europa e in America. Kobrin ama dedicare una parte del proprio tempo anche all’attività didattica, svolta inizialmente all’Accademia Gnessin di Mosca, alla Columbus State University negli USA e attualmente alla Steinhardt School dell’Università di New York.  Kobrin è stato invitato anche come membro di giuria nei Concorsi Busoni di Bolzano, al Prix Animato a Parigi, al Neuhaus International Piano Festival di Mosca.

Ha inciso vari Cd per le etichette Harmonia Mundi, Quartz e Centaur. Il Gramophone Magazine, recensendo un suo Cd per Harmonia Mundi dedicato alla Seconda Sonata di Rachmaninov, proposta nella revisione del 1931, ne elogia, al di là del virtuosismo tempestoso, la capacità di cogliere le più nascoste profondità ipnotiche della partitura.

Anna Serova, viola

Antonio Ippolito, bandoneon

Nicola Ippolito, pianoforte

Gerardo Scaglione, contrabbasso

La passionalità dell’opera italiana incontra gli appassionati ritmi del tango argentino. Le immortali arie, duetti e sinfonie dei grandi operisti italiani, come Rossini, Verdi e Puccini, assumono un colore nuovo, vibrante ed originale, nelle rivisitazioni di Roberto Molinelli, affidate alla virtuosità della viola solista di Anna Serova, accompagnata da Tango Sonos Trio.

Anna Serova, figura unica nel panorama internazionale, ha ricevuto negli ultimi anni dediche da alcuni dei più importanti compositori contemporanei. Musicista eclettica, è anche straordinaria ed appassionata interprete e ballerina di Tango argentino.

Il progetto “Tango Sonos” è una realtà consolidata nel panorama tanguero internazionale. Ben conosciuti nelle stagioni concertistiche di tutta Europa, i Tango Sonos collaborano da anni con i più grandi ballerini (Miguel Angel Zotto & Daiana Guspero, Sebastian Arce & Mariana Montes, Neri Piliu & Yanina Quiñones, Pablo Moyano & Roberta Beccarini, Ruben Celiberti), musicisti (Anna Serova, Roberto Molinelli, Orchestra “Roma Sinfonietta”, Adrian Fioramonti, Ruben Peloni, Hyperion Ensemble) e con attori e registi di fama internazionale (Lindsay Kemp, Sebastiano Lomonaco, Arnoldo Foà, Nestor Saied). Dal 2015 fanno parte della celebre compagnia “Tango x 2” di Miguel Angel Zotto, con cui calcano i palchi dei più importanti teatri europei.

Dopo un decennio di lavoro condiviso nel Tarkovsky Quartet e il recente lavoro su Pergolesi (con la cantante Maria Pia de Vito e il percussionista Michele Rabbia), la violoncellista tedesca Anja Lechner e il pianista francese François Couturier presentano il loro duo. I  percorsi che hanno avvicinato i due musicisti a questo progetto sono differenti.

La Lechner è una musicista classica con un forte interesse per l’improvvisazione e Couturier è un musicista jazz che viaggia sempre più al di fuori di questi confini. Su “Moderato cantabile” presentano i loro arrangiamenti di tre affascinanti compositori tenuti forse un pò al margine della “grande” storia della musica: G.I. Gurdjieff, Komitas e Federico Mompou. Per molti versi la loro musica rivela influenza dall’est, sia in termini di relazione con il folk tradizionale e la musica religiosa, sia da un punto di vista filosofico. Un’aria contemplativa pervade la musica. Il programma ha dei punti in comune con il lavoro che Anja Lechner aveva svolto sulla musica di Gurdjieff nel precedente Chants, Hymns and Dances (con Vassilis Tsabropoulos), ma questo duo ha una sua identità propria. Il tempo trascorso in Armenia dalla Lechner le ha fatto interiorizzare il contesto dal quale la musica emerge, facendo assumere al violoncello il ruolo di voce solista.

Le composizioni di Couturier, che tra l’altro ha una lunga esperienza sulla musica di Mompou, donano al contempo contrasto e complementarietà. Il pianista è stato inoltre influenzato dalle sonorità del medio oriente per via della sua collaborazione con Anouar Brahem. “Moderato cantabile” è un album sorprendente e insolito, registrato nello studio di Lugano nel 2013 e prodotto da Manfred Eicher.

La violinista Francesca Dego è considerata fra le migliori interpreti italiane di oggi. Artista Deutsche Grammophon dal 2012, fin dal suo debutto discografico con i 24 Capricci di Paganini suonati sul Guarneri del Gesù appartenuto a Ruggiero Ricci si è imposta nel panorama musicale contemporaneo. Dal 2013 al 2015 si è dedicata all’incisione delle sonate per violino e pianoforte di Beethoven. In autunno 2017 è uscito il suo disco con concerti di Paganini e Wolf-Ferrari.

L’inglese Martin Owen è considerato uno dei maggiori suonatori di corno d’Europa. Si è esibito come solista e musicista da camera in tutto il mondo. Al momento è primo corno alla Bbc Symphony Orchestra; è stato per dieci anni primo corno alla Royal Philharmonic Orchestra e dal 2012 è stato nominato primo corno della Berliner Philharmoniker. È anche primo corno dell’ensemble di musica da camera californiano Camerata Pacifica e dei britannici Britten Sinfonia e Haffner Ensemble. Owen ha lavorato a oltre 300 colonne sonore di film, inclusi film di James Bond, Star Wars, Harry Potter, Il Gladiatore e Pirati dei Caraibi.

Maria Perrotta è applaudita dal pubblico e dalla critica come pianista particolarmente comunicativa e sensibile. Si afferma in importanti concorsi internazionali e presto si impone sulla scena internazionale come una significativa interprete bachiana. La sua incisione dal vivo delle Variazioni Goldberg di Bach ottiene l’entusiastico favore della critica specializzata (Amadeus, Musica, Suonare News, premio della critica 2012 promosso dalla rivista Musica & Dischi).