di Alessandro e Massimo Lopez
con Massimo Lopez e la partecipazione della Jazz Company
Regia di Massimo Lopez
Direzione Artistica Alessandro Lopez

Il Massimo Lopez Show unisce la potenza della musica dal vivo alla leggerezza della comicità, l’eleganza dello swing alla forza delle imitazioni. Sul palco, è accompagnato dalla Jazz Company, con un repertorio che spazia dai classici immortali di Sinatra, Cole Porter e Gershwin, fino a incursioni nella canzone italiana e nelle hit più attuali, trasformate in inedite versioni swing. Massimo, crooner, attore e intrattenitore, dona al pubblico tante imitazioni: dai Papi a Trump, da Patty Pravo a grandi voci della canzone.. un viaggio tra swing, teatro e leggerezza firmato da un artista che continua a incantare.

Lopez interpreta con classe e ironia i grandi classici dello swing americano, offrendo al pubblico una serata di puro intrattenimento e raffinate emozioni. Le sue imitazioni, la voce calda, la presenza scenica e la naturale capacità di comunicare rendono ogni momento unico. Uno spettacolo che parla di passione, arte e vita, con la spontaneità e la grazia di un interprete che ha fatto della leggerezza un’arte profonda. “Ogni volta che salgo sul palco – racconta Massimo Lopez – sento la stessa emozione di sempre, ma oggi ha un sapore diverso: quello della maturità, della leggerezza consapevole. Questo spettacolo è un dialogo con il pubblico attraverso la musica e l’ironia, due linguaggi che ho amato per tutta la vita e che continuano a sorprendermi come fosse la prima volta.”

Simone Genuini direttore

Anabel Montesinos, la più giovane vincitrice (all’età di 17 anni) del Concorso Internazionale per chitarra Francisco Tarrega in Spagna, è una figura di leader internazionale nel mondo della chitarra. Oltre a questo prestigioso riconoscimento, ha vinto il primo premio al Michele Pittalunga di Alessandria, al Juliàn Arcas in Spagna e al Raifeisenwettbewerb a Salisburgo. L’artista ha tenuto concerti in tutto il mondo, dal suo debutto alla Carnegie Hall avvenuto nel 2011. Ha interpretato il concerto di Aranjuez a Postdam, a Berlino davanti a oltre 4000 persone, con l’Orchestra Filarmonica di Torino, con la Simon Bolivar in Venezuela, la Filarmonica di Sundswall in Svezia, la Filarmonica di Oulu in Finlandia, la Havana Philarmonic di Cuba, la Filarmonica di Mosca, la Pomerania Filarmonic Orchestra in Polonia. Ha inciso per la Naxos e il suo primo CD è stato scelto dalla British Airways come programma musicale nei voli intercontinentali della compagnia aerea inglese. Si è esibita in concerto con Paco de Lucìa in occasione di una iniziativa musicale dedicata agli aspetti della musica Spagnola meno conosciuti. A parte i programmi dedicati alle musiche spagnole dal Rinascimento alla contemporaneità, Anabel ha presentato opere popolari in molti dei suoi recital, come ad esempio il ciclo “Bohemian Rhapsody”, portato in tournée nel 2019 e accolto da trionfali apprezzamenti. La Montesionos è Savarez Artist, collaborando con Cantiga Alliance Premium e suona una chitarra costruita nel 2018 dal grande liutaio Steve Connor, il cui nome è Jasmine.

Direttore d’orchestra e pianista, Simone Genuini è diplomato in Direzione d’Orchestra e in Pianoforte col massimo dei voti e la lode; ha inoltre conseguito i diplomi in Composizione, Musica corale, Direzione di Coro, Strumentazione per Banda. Ha studiato direzione d’orchestra perfezionandosi con i maestri Carlo Maria Giulini, Lu Jia, Daniele Gatti, Dorel Pascu. È direttore della JuniOrchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma. È stato direttore ospite, tra le altre, dell’Orchestra Sinfonica Abruzzese, dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Bucarest, dell’Orchestra Roma Sinfonietta, de I Solisti Aquilani, dell’Orchestra Giovanile di Fiesole e dell’Orchestra “Benedetto Marcello”, Orchestra Prometeo di Roma.

In veste di pianista, sia come solista che in formazioni da camera, si è esibito per l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, per la Filarmonica Umbra, RAI Radio 3, l’Accademia di Danimarca, per il ciclo “Concerti al Quirinale”. Numerosi i concerti effettuati in formazione di duo, trio, quartetto. Collabora con la Blue Note Chamber Orchestra, di cui è pianista solista, e con cui ha partecipato alla registrazione del primo CD. Parallelamente all’attività concertistica ha svolto numerose esperienze in ambito didattico, occupandosi di problematiche relative all’educazione musicale, nonché curando la formazione e dirigendo cori e orchestre giovanili.

Marco Angius direttore
Ruben Micieli pianoforte

Nel 1991, sotto la Sovrintendenza di Carlo Fontana, nasce un dipartimento interno che, nel 2001, assume una veste autonoma dal Teatro, come Fondazione. Il progetto formativo dell’Orchestra dell’Accademia Teatro alla Scala accompagna giovani musicisti alla futura carriera professionale offrendo loro, nell’arco di un biennio, una preparazione completa sul repertorio sinfonico, operistico e di balletto. Il programma didattico prevede lezioni individuali di strumento, musica da camera e prove a sezioni, tenute dalle Prime Parti dell’Orchestra del Teatro alla Scala. A ciò si affianca un’intensa attività artistica, in Italia e all’estero, sotto la guida di alcuni fra i più autorevoli e rinomati direttori d’orchestra del mondo, spesso in collaborazione con gli altri complessi artistici della Scuola scaligera, dai solisti dell’Accademia di perfezionamento per cantanti lirici al coro ai danzatori della Scuola di Ballo. L’orchestra ha l’opportunità di esibirsi in primis al Teatro alla Scala, che non solo la ospita annualmente per un’opera inserita nel cartellone, ma la chiama anche per alcune produzioni del Corpo di Ballo e per numerosi concerti. L’attuale compagine, da sempre caratterizzata da una significativa presenza di allievi stranieri, oggi è formata da 65 elementi provenienti da ogni parte d’Italia e da diversi paesi, per nove differenti nazionalità, e rigorosamente Under30, con un’età media di 24 anni.

Marco Angius, direttore d’orchestra e d’ensemble, si è messo in luce dirigendo la prima mondiale di Studi per l’intonazione del mare di Salvatore Sciarrino, per cento flauti, cento sax e solisti. Ha diretto Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai di Torino, Teatro La Fenice, Maggio Musicale Fiorentino, Comunale di Bologna, Slovenian Philharmonic, Orchestre de National Lorrain, Ensemble Intercontemporain, London Sinfonietta, Tokyo Philharmonic, Orchestre Orchestra del Teatro Massimo, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Haydn di Trento e Bolzano, Orchestra Verdi di Milano, Orchestra della Svizzera Italiana, Orchestre de Lausanne, Orchestra della Toscana, l Pomeriggi Musicali, Luxembourg Philharmonie, Muziekgebouw/Bimhuis di Amsterdam. Con l’OSN Rai di Torino ha diretto in tutte le edizioni di Rai Nuova Musica dal 2006 al 2020 e condotto una tournée russa nell’ottobre 2015 oltre a un omaggio a Pierre Boulez per il suo novantesimo compleanno (con l’integrale delle Notations per orchestra e il Livre pour cordes). Ha vinto il Premio Amadeus con Mixtim di Ivan Fedele (2007) di cui ha anche inciso tutta l’opera per violino e orchestra sempre con l’OSN Rai. Medeamaterial di Pascal Dusapin e Il suono giallo di Solbiati (entrambi Premio Abbiati al Comunale di Bologna), Alfred, Alfred di Franco Donatoni, Il diario di Nijinsky di Detlev Glanert, Falcone di Nicola Sani (2022) e Hanjo di Toshio Hosokawa (2023) con la Haydn Orchester.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Jingzhi Zhang violino
Giacomo Lucato violino
Matilde Simionato viola
Martino Simionato violoncello

Il Quartetto Goldberg nasce nel 2021 e da allora si perfeziona con il Quartetto di Cremona all’Accademia Stauffer di Cremona. L’ensemble è stato “Artista Residente” della Fondazione Società dei Concerti di Milano 2022/2023, protagonista della Nuit du Quatuor 2022 di Parigi e “Quartetto in Residence” al Ticino Festival 2022, ha partecipato ai festival estivi di Verão Classico a Lisbona, Musique a Flaine in Francia, Zeist Music Days in Olanda e Allegra Festival a Sofia. Con gli Istituti Italiani di Cultura e le Ambasciate Italiane ha tenuto concerti in Marocco, Arabia Arabia e Finlandia.

Il Quartetto si è esibito sui palchi di MITO SettembreMusica, Festival di Trieste “Il faro della musica”, I concerti del Quirinale di Roma e in due tournée in Giappone e Cina, nonché apparizioni in Grecia, Serbia e Norvegia. È stato ospite nei programmi radiofonici La Stanza della Musica e Piazza Verdi, regolarmente invitato per interviste e performance live su Rai Radio 3 e RSI, fa parte della piattaforma MERITA e della rete de Le Dimore del Quartetto, di cui è Ensemble of the Year 2022 e 2023 e con la quale ha svolto concerti in tutta Italia ed Europa.

Roberto Plano pianoforte

Vincitore del Cleveland International Piano Competition e premiato ai Concorsi Van Cliburn, Honens, Geza Anda, Dublino, Valencia e Sendai, Roberto Plano ha intrapreso una carriera internazionale che lo ha portato ad esibirsi in sale quali Lincoln Center e Steinway Hall (New York), Herculessaal e Gasteig (Monaco), Wigmore Hall e St. John’s Smith Square (Londra), Salle Cortot (Parigi), Sala Verdi, Teatro Dal Verme e Auditorium di Milano, Teatro Donizetti (Bergamo), Teatro Manzoni (Bologna), Parco della Musica (Roma) e in prestigiosi festival. Ha suonato come solista con prestigiose orchestre tra cui Houston Symphony, archi dei Berliner Philarmoniker, Kremerata Baltica, RTE National Symphony Orchestra, Orchestra Sinfonica Verdi, con celebri direttori d’Orchestra quali Sir Neville Marriner, Pinchas Zuckerman, James Conlon, Miguel Harth-Bedoya, Gianluigi Gelmetti, Donato Renzetti. Ha inciso più di 20 dischi per Sipario, Azica, Arktos, Concerto e Brilliant Classics ed è di recente pubblicazione il suo disco di debutto per Decca con l’incisione integrale delle Harmonies Poetiques et Religieuses di Liszt, opera che mancava nel catalogo della grande casa discografica inglese da più di 50 anni. È stato definito dal Chronicle il “Pavarotti del pianoforte” per il suo lirismo, definito l’erede di Rubinstein e Horowitz dal commentatore radiofonico di Chicago P. Harvey e additato come uno tra i più grandi interpreti di Scriabin.

Francesco Cafiso sax alto
Enrico Zanisi pianoforte

Il sassofono in quattro declinazioni. In estrema sintesi, questo potrebbe il claim dell’edizione 2026 di Jazz ‘n Fall. Quattro declinazioni rivolte ad esplorare i linguaggi e le soluzioni timbriche del jazz, a ripercorrere la storia della musica di improvvisazione e a interrogare le derive attuali, attraverso uno strumento del tutto centrale nella vicenda del jazz.

Francesco Cafiso non ha certo bisogno di presentazioni per il pubblico pescarese. Nell’estate successiva alla sua precocissima vittoria del Premio Massimo Urbani, la sua carriera è esplosa sul palco del festival jazz con l’incontro con i musicisti dell’orchestra di Wynton Marsalis: il trombettista ha scommesso sulle sue capacità, ha fatto da mentore e ha voluto nei suoi progetti musicali e didattici il sassofonista siciliano, rendendolo di fatto sin da subito una star internazionale. Un processo giunto a maturazione con la crescita umana e artistica di Cafiso che, oggi, è uno dei musicisti più stimati a livello mondiale. Torna a Pescara in duo con un pianista interessante come Enrico Zanisi, in un progetto rivolto a cercare le connessioni tra le personalità dei due interpreti e le pieghe della storia e della contemporaneità del jazz, partendo da un mostro sacro come Parker per avviare una conversazione libera e profonda, elegante nella sua essenzialità, con l’ascolto reciproco utile per trovare la sintesi tra memoria e inventiva.

Sherman Irby sax alto
Nico Menci pianoforte
Marco Marzola contrabbasso
Alfonso Vitale batteria

Il sassofono in quattro declinazioni. In estrema sintesi, questo potrebbe il claim dell’edizione 2026 di Jazz ‘n Fall. Quattro declinazioni rivolte ad esplorare i linguaggi e le soluzioni timbriche del jazz, a ripercorrere la storia della musica di improvvisazione e a interrogare le derive attuali, attraverso uno strumento del tutto centrale nella vicenda del jazz.

Sherman Irby si confronta con le soluzioni geniali, sorprendenti, enigmatiche alle volte ma sempre riconoscibili di Thelonious Monk. Un mondo sonoro ed estetico fatto di contrasti e salti improvvisi, di senso del blues e visione ancestrale messo giustamente in luce dal sassofonista con la scelta di un titolo come “Ugly Beauty”, traducibile in italiano come “orribile bellezza”. L’energia, il vigore, la sapienza musicale di Sherman Irby entra in profondità del repertorio di Monk e fa convergere le atmosfere fumose degli storici club newyorchesi con le raffinate e suggestive soluzioni di un pianista e di un compositore del tutto unico e, per certi aspetti, iconico.

Max Ionata sax tenore
Vittorio Solimene organo Hammond
Cesare Mangiocavallo batteria

Il sassofono in quattro declinazioni. In estrema sintesi, questo potrebbe il claim dell’edizione 2026 di Jazz ‘n Fall. Quattro declinazioni rivolte ad esplorare i linguaggi e le soluzioni timbriche del jazz, a ripercorrere la storia della musica di improvvisazione e a interrogare le derive attuali, attraverso uno strumento del tutto centrale nella vicenda del jazz.

Esperienza, groove e interplay costituiscono l’ossatura del Max Ionata Hammond Trio: il sassofonista è senz’altro tra i musicisti italiani più riconosciuti a livello internazionale e ha voluto in questa nuova versione del suo Hammond Trio l’energia e la visione di due musicisti emergenti e già molto apprezzati dalla critica come Vittorio Solimene all’organo Hammond e Cesare Mangiocavallo alla batteria, musicisti dotati di grande maturità musicale e forte personalità espressiva, pronti a  coniugare precisione, swing e sensibilità moderna in un repertorio che spazia tra composizioni originali, standard e soul jazz, con un sound fresco e compatto, radicato nella tradizione di un format ormai più che consolidato e reinterpretato alla luce di una visione moderna.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Camilla Geroge sax alto
Renato Paris tastiere, voce
Jihad Darwish contrabbasso
Rod Young batteria

Il sassofono in quattro declinazioni. In estrema sintesi, questo potrebbe il claim dell’edizione 2026 di Jazz ‘n Fall. Quattro declinazioni rivolte ad esplorare i linguaggi e le soluzioni timbriche del jazz, a ripercorrere la storia della musica di improvvisazione e a interrogare le derive attuali, attraverso uno strumento del tutto centrale nella vicenda del jazz.

Le radici culturali africane, statunitensi ed europee si fondono nella visione musicale di Camilla George. Figura di spicco della nuova scena jazz londinese al fianco di artisti come Nubya Garcia e Shabaka Hutchings, nella sua musica entrano riferimenti disparati – afrofuturismo, hip hop, jazz, le musiche del mondo – e si fondono in nuove possibilità espressive. D’altronde, se il suo imprinting musicale rimanda all’ascolto di “maestri” come Fela Kuti, Jackie McLean e Charlie Parker e se la attenzione si rivolge con una profonda concentrazione alle tradizioni della sua tribù, il popolo Ibibio della costa sud-orientale della Nigeria, il risultato naturalmente diventa un melting pot creativo e assolutamente fertile. Una visione musicale capace di attraversare i generi e di portarla a collaborare con musicisti versatili e, a loro volta, capaci di sfuggire ad ogni classificazione come il cantante Omar o la chitarrista Shirley Tetteh, Daniel Casimir, Sarah Tandy, Sheila Maurice-Grey e Sam Jones e di dare vita con loro, sia come leader che come sideman, a progetti sempre interessanti. Nel corso di questi ultimi anni è stata protagonista di esibizioni nei festival più importanti del mondo ed è stata selezionata per partecipare all’International Jazz Day Concert 2027, l’esibizione annuale voluta da Herbie Hancock per celebrare ogni anno il jazz come patrimonio artistico dell’umanità.

di Tom Stoppard
con Francesco Pannofino, Francesco Acquaroli, Paolo Sassanelli
Regia di Alberto Rizzi

Da oltre sessanta anni Rosencrantz e Guildenstern sono morti di Tom Stoppard viene rappresentato in tutto il mondo ed è diventato, dunque, un classico amato e apprezzato del teatro contemporaneo.

In questo nuovo allestimento della commedia abbiamo deciso di mescolare l’umorismo inglese di Stoppard alla tradizione comica della Commedia dell’Arte, per creare uno spettacolo che esplori la profonda riflessione esistenzialista/filosofica del testo originale, esaltandone la potenza comica ed emotiva che caratterizza la pièce.

Il testo è un Amleto rivisitato, spiato dal buco della serratura attraverso lo sguardo colmo di dabbenaggine dei due protagonisti Rosencrantz e Guildenstern che, quando guardano l’intera vicenda del principe danese, ne colgono soltanto i tratti surreali e farseschi.

Stoppard, del resto, è noto al grande pubblico per aver scritto la sceneggiatura di Shakespeare in love dove si intrufolava nel dietro le quinte di Romeo e Giulietta, mentre con Rosencrantz e Guildenstern sono morti si butta a capofitto nel backstage dell’Amleto. Prende, infatti, due personaggi secondari

dell’Amleto di Shakespeare, Rosencrantz e Guildenstern, e ne fa i protagonisti di una commedia dai toni bizzarri.

Claire Huangci pianoforte

La pianista statunitense Claire Huangci ha ottenuto fama internazionale vincendo il primo premio e il Premio Mozart al Concorso Géza Anda del 2018, oltre a ricevere riconoscimenti in altri prestigiosi concorsi, tra cui i concorsi Chopin in Europa e negli Stati Uniti, il Concorso Internazionale di Musica ARD e il Gran Premio dell’Orchester Chambre de Paris Play-Direct Academy.

Con le sue interpretazioni sicure e brillanti, la sua virtuosità mozzafiato e una tavolozza sonora intelligente e ben ponderata, affascina costantemente il pubblico. Mossa da un’irrefrenabile curiosità e da una predilezione per un repertorio insolito, dimostra la sua versatilità con un ampio repertorio che spazia da Bach e Scarlatti al Romanticismo tedesco e russo, fino a Bernstein, Barber e Florence Price.

Come solista e partner di orchestre internazionali, Claire Huangci si è esibita in prestigiose sale da concerto come la Carnegie Hall di New York, la Suntory Hall di Tokyo, il Prinzregententheater di Monaco, la Philharmonie de Paris, la Wiener Konzerthaus e il Festspielhaus di Salisburgo. È ospite di festival rinomati, tra cui il Festival di Lucerna, il Festival musicale di Rheingau e il Festival pianistico della Ruhr.

di Eduardo Scarpetta
con Gianfelice Imparato
Regia di Leo Muscato

l medico dei pazzi è una delle più divertenti farse di Eduardo Scarpetta, una macchina perfetta dell’equivoco. Scritta nel 1908, racconta la disavventura di Don Felice Sciosciammocca, ricco proprietario terriero – un po’ ignorante, molto ingenuo e irrimediabilmente provinciale – che da anni finanzia gli studi di suo nipote Ciccillo. È convinto che il ragazzo si sia laureato in medicina e diriga un prestigioso manicomio. Peccato che Ciccillo, invece di studiare, abbia sperperato tutto in divertimenti e gioco d’azzardo, collezionando debiti e creditori. Quando Don Felice decide di sorprenderlo e si presenta

a Napoli con la moglie, il nipote, preso alla sprovvista, inventa una menzogna colossale: la Pensione Stella, dove vive, non è una semplice pensione, ma un rispettabile istituto psichiatrico. Don Felice, vedendo gli eccentrici ospiti della casa, si convince che siano pazienti. Da lì in avanti, la commedia precipita in un vortice di equivoci e situazioni paradossali.

Nella versione che oggi presentiamo al pubblico spostiamo la vicenda di una settantina d’anni in avanti: siamo agli inizi degli anni Ottanta, poco dopo la Legge Basaglia (1978), che sancisce la chiusura dei manicomi e la nascita dei nuovi servizi territoriali di salute mentale. Una riforma accolta da molti come una rivoluzione civile, ma che all’epoca generò paure e disorientamento.

Dmitry Smirnov violino

Dmitry Smirnov è ampiamente considerato una delle personalità più eccezionali della giovane generazione di violinisti. Vincitore del premio ARD, si esibisce come solista con orchestre di spicco come l’Orchestra Sinfonica della Radio Bavarese e la Festival Strings Lucerne, e in sale da concerto prestigiose come la Carnegie Hall di New York e la Nikkei Hall di Tokyo. Considerato un “enfant terrible”, affascina il pubblico con la sua audace visione artistica e la sua straordinaria virtuosità, anche nelle interpretazioni storicamente accurate del repertorio tradizionale. Musicista cameristico molto richiesto, si esibisce regolarmente con partner come Sol Gabetta e Ilya Gringolts, e ricopre anche il ruolo di primo violino e solista nell’ambito dell’”Haydn Project 2032” di Giovanni Antonini.

Dmitry è nato in una famiglia di musicisti a San Pietroburgo, dove ha ricevuto le prime lezioni di violino all’età di quattro anni e ha proseguito gli studi al Conservatorio Rimsky-Korsakov. Gli studi successivi lo hanno portato all’Haute École de Musique di Losanna, nella classe di Pavel Vernikov, e successivamente a studiare con Rainer Schmidt all’Accademia di Musica di Basilea. Nell’ambito della musica barocca, Dmitry si esibisce anche come violista, violoncellista e clavicembalista. Il suo strumento principale è un violino di Philipp Bonhoeffer (2018).

Ana Vidovic chitarra

Nota per la profondità della sua arte e della sua sensibilità musicale, il talento straordinario di Ana Vidovic l’ha resa una delle musiciste d’élite a livello mondiale. Le sue esibizioni includono recital, concerti solistici e partecipazioni a festival nelle principali destinazioni culturali europee e in sale da concerto rinomate. Le sue tournée l’hanno portata in Australia, Brasile, Israele, Giappone, Corea, Messico e Spagna.

Originaria della piccola città di Karlovac, vicino a Zagabria, ha iniziato a suonare la chitarra a cinque anni. A tredici anni è stata ammessa come la più giovane studentessa dell’Accademia Nazionale di Musica di Zagabria, dove ha studiato con il professor Istvan Romer. La sua crescente fama in Europa l’ha portata a essere invitata a studiare al Peabody Conservatory, dove si è diplomata.

Nelle stagioni più recenti, Ana Vidovic si esibita al 92nd Street Y di New York, all’Herbst Theatre di San Francisco e ad Austin, Texas. Ha tenuto concerti con la Elgin Symphony, la Stockton Symphony (California), la Southwest Utah Symphony e la Victoria Symphony (Texas). In Europa, ha effettuato una tournée con il Cuarteto Casals in Francia e Germania; si è esibita in recital a Spalato (Croazia), Bad Aibling e Amburgo (Germania), e a Copenaghen. Ha inoltre suonato a Parigi con l’Orchestre de l’Opéra de Rouen Normandie.

testo di Horacio Ferrer

Sarita Schena Maria
Eduardo Martin Troncozo Payador
Ruben Peloni El Duende
Reate Festival Ensemble

Astor Piazzolla innerva il tango con strumenti, tecniche, stili diversi che ne rivoluzionano e arricchiscono la gamma espressiva. A Mauro De Federicis è affidata la direzione musicale della più famosa opera-tango di Piazzolla, María de Buenos Aires, una vicenda surreale e fantastica di morte e rigenerazione dalla forte componente simbolica che sgorga dal realismo magico sudamericano scritta dal poeta uruguaiano Horacio Ferrer. Pensata in origine per una realizzazione radiofonica, l’opera-tango è ambientata nei bassifondi della capitale argentina e andò in scena per la prima volta nel 1968 a Buenos Aires.

La sfortunata María, nata “un giorno che Dio era ubriaco” in un sobborgo miserabile di Buenos Aires. Dapprima operaia, dopo essere diventata una cantante di tango, María entra in un bordello e muore ancora molto giovane; poi, nel secondo atto dell’opera, vaga sotto forma di spettro per le vie della città finché non rinasce miracolosamente per dare alla luce una bambina, chiamata a sua volta María, che potrebbe essere lei stessa in una nuova vita.

di Oscar Wilde
con Lucia Poli, Giorgio Lupano, Maria Alberta Navello, Luigi Tabita e con la partecipazione di Marilù Prati
Regia Geppy Gleijeses

Dall’altra parte del vecchio Continente, il genio di Oscar Wilde esaltava “l’importanza di non fare niente”, sottotitolo del suo saggio “The critic as artist”. Siamo nell’ostentata ricchezza in cui l’unica preoccupazione è la decisiva importanza di un nome “Earnest” e la pigrizia è l’unico divino frammento dell’esistenza degli dei che il paradiso ha lasciato all’uomo. Da autore sociale che contrasta matrimonio, famiglia e proprietà privata ed esalta l’arte come strumento di propaganda e di lotta, si passa alla totale noncuranza. Wilde riassume la commedia in poche sferzanti parole: “Dovremmo trattare molto seriamente tutte le cose frivole e con sincera e studiata frivolezza tutte le cose serie della vita”.

I peccati esecrandi in Salomè e innominabili in Dorian Gray, sono presentati in una nuova chiave e si traducono nella smodata ed egoistica passione di Algernon per i tramezzini al cetriolo. Ma anche quello è un mondo che va alla deriva e Oscar Wilde morirà pochi anni dopo, avendo conosciuto il carcere e il disonore.

Reinterpretare Wilde e la sua “Importanza” ti consente di leggere in modo più articolato quella che passa per essere la “commedia perfetta”, un’implacabile lente deformante per leggere il marciume mal celato dell’Età vittoriana, quel moralismo omofobo che Wilde profondamente detestava.

Martina Meola pianoforte

Nata a Milano il 28 novembre 2012, Martina Meola inizia gli studi pianistici all’età di 6 anni con la Prof.ssa Irina Bogataia presso la Scuola d’Arte “A. Starcea” di Chisinau. Ritornata in Italia nel giugno 2022, risulta ammessa nel corso speciale riservato ai “Giovani Talenti” presso il Conservatorio “G. Verdi” di Milano, dove attualmente studia nella classe della Prof.ssa Silvia Limongelli.

Tiene numerosi recital sia in Italia che all’estero presso importanti sale da concerto. Nel 2020, presso la Organ Hall di Chisinau, esegue il Concerto in Fa minore BWV 1056 di J.S. Bach e nel 2021 il Concerto in la maggiore K 414 di Mozart sempre con l’Orchestra da Camera Nazionale. Nel 2023, vince il Primo Posto nella categoria Giovani Talenti del Premio del Conservatorio di Milano ed esegue il Concerto

n. 1 op. 15 di Beethoven durante il concerto di gala dell ”European Political Community Summit Chisinau Moldova”. Nel 2024 suona il Concerto n. 3 di L. van Beethoven sia presso la Sala Verdi del Conservatorio di Milano con l’Orchestra del Conservatorio diretta da Daniele Moles che in occasione della visita ufficiale del Presidente Italiano Sergio Mattarella in Moldavia.