Nel corso degli anni la giovane pianista americana di origine cinese Claire Huangci si è pienamente affermata, lasciandosi alle spalle il ruolo di bambina prodigio. Claire affascina il pubblico con il “radioso virtuosismo, la sensibilità artistica, l’empatia e la drammaturgia sonora” (Salzburger Nachrichten). La sua carriera è iniziata all’età di nove anni ed è stata la più giovane ad ottenere il Secondo Premio al Concorso ARS di Monaco di Baviera (2011).

Ha studiato al Curtis Institute di Philadelphia, si è successivamente perfezionata con Arie Vardi all’Università di Hannover, dove dal 2016 lavora come sua assistente. La musica di Chopin ha dato una svolta alla sua carriera nel 2009, quando vinse il Primo Premio al Concorso Pianistico Internazionale Chopin di Darmstadt, seguito nel 2010 dal Concorso Chopin di Miami. Da allora ha dato prova di una inusuale versatilità affrontando un vasto repertorio che comprende anche molta musica contemporanea.

Si è esibita con importanti orchestre in tutto il mondo. Il suo debutto discografico del 2013, con musiche di Ciaikowskij e Prokofiev, pubblicato per Berlin Classics, ha ottenuto importanti riconoscimenti dalla stampa specializzata mondiale. Il secondo album è dedicato ad alcune delle Sonate di Domenico Scarlatti. Il disco ha ottenuto il German Record Critics’ Award and “Editor’s Choice” da Grammophone Magazine. Nel 2018 vince il Primo Premio al prestigioso Concorso Internazionale “Geza Anda” di Zurigo.

Concerto straordinario di beneficenza in favore di Ada Manes Foundation for Children Onlus

In collaborazione con il Comune di Pescara
e con il sostegno di: Danelli Auto, Fabbrini Pianoforti, Rustichella D’Abruzzo

Autobiografia insolita
Sono napoletano di spirito, di famiglia, di scuola. Tendo al pessimismo ma mi salva l’autoironia. Già a cinque anni cercavo la Musica, improvvisavo da autodidatta, poi ebbi la straordinaria fortuna di incontrare un grande maestro; concluso il liceo classico, ho incominciato a fare sul serio: ho partecipato a un solo concorso pianistico internazionale e l’ho vinto. Per cinquant’anni ho cercato il Suono e ancora sono per strada. Ho molti autori “preferiti” eppure mi definiscono “specialista” di Franz Liszt. Non amo questa etichetta, naturalmente, ma stimo altamente l’uomo. Ecco una sua sentenza che potrei prendere in prestito: «Tutto quello che si può fare è camminare diritto in tutta semplicità senza tanto spiegare agli altri il come e il perché…». Nella mia vita ho incontrato persone meravigliose, non necessariamente musicisti. Vivo in Italia nonostante numerose controindicazioni me lo sconsiglierebbero. Insegno musica al pianoforte da quando avevo 37 anni, perché credo sia possibile farlo seriamente. Non mi chiamate pianista, preferisco il termine “musicista”: con il primo si pensa alle mani, con il secondo al cuore e al cervello. La cosa più bella che possa capitarmi è incontrare persone che ricordano un mio concerto di 40 anni fa: qualcosa è rimasto, dunque. Non intendo considerare la mia carriera terminata, credo invece che il meglio debba ancora arrivare e lavoro affinché ciò avvenga. Oltre alla musica mi bastano pochissime cose: la mia famiglia, la lettura di tanti libri, le belle arti, le passeggiate nei boschi. Sono un discreto micologo e non ho mai avvelenato nessuno con i funghi. Ho dovuto arrendermi al computer, ma non possiedo un tablet.
Michele Campanella

La Ada Manes Foundation for Children Onlus nasce a Pescara nel 2015 con il nome della benefattrice, che volle che i suoi risparmi andassero a chi ne aveva più bisogno. Attualmente tutte le persone che ne fanno parte, medici, volontari, staff e sostenitori condividono con passione l’obiettivo: “facilitare le terapie chirurgiche dei bambini di ogni luogo e provenienza sociale.”
A Pescara la Fondazione affianca l’Unità Operativa Complessa di Chirurgia Pediatrica dell’Ospedale Santo Spirito. Nel 2016 ha infatti donato al reparto una sala operatoria che consente di ridurre la lista d’attesa degli interventi di chirurgia minore, l’attuale “Sala Manes”.
Le attività della Fondazione si sono concentrate nei Paesi a Risorse Limitate: contesti meno fortunati in cui le cure rivolte ai bambini, dall’età neonatale all’adolescenza, presentano deficit rilevanti. Sono carenti infatti sia le strutture sanitarie a disposizione che le conoscenze, da parte del personale locale, delle tecniche chirurgiche specifiche per l’infanzia. Per questo, in rete con altre Onlus, la Fondazione si è impegnata in missioni di chirurgia pediatrica a carattere operativo e formativo insieme, realizzando progetti volti a trasferire le competenze di tecnica chirurgica al personale locale. Nel corso di circa 20 missioni in Etiopia, Tanzania, Sudan e Haiti, sono stati finora sottoposti gratuitamente ad intervento chirurgico più di 800 bambini con patologie malformative dell’apparato gastroenterico e genito-urinario.
“Le missioni nei Paesi afflitti da gravi carenze economiche e sanitarie ci hanno consentito di entrare in contatto diretto con le comunità, con il personale medico locale e con le difficoltà che incontrano nella gestione di patologie che in Italia e nei Paesi più sviluppati sono all’ordine del giorno”, racconta Mariagrazia Andriani, chirurgo pediatra e Presidente della Ada Manes Foundation for Children Onlus. “Il supporto di medici e volontari, con i quali partecipiamo ai progetti, ci aiuta a restituire il sorriso a tanti bambini e a regalare speranza a tante famiglie. I fondi raccolti ci consentono di sviluppare progetti in grado di assicurare un futuro duraturo alla chirurgia pediatrica in alcune delle aree più povere del mondo. Lavoriamo perché la chirurgia pediatrica cresca come un fiore che va coltivato con passione, perché a tutti i bambini sia assicurata un’infanzia come dovrebbe essere”.
Ada Manes – Foundation for Children Onlus
Il Presidente Mariagrazia Andriani

www.amfconlus.org
email: adamanesonlus@gmail.com, grazia.andriani@gmail.com
Sede legale: Piazza Garibaldi 35, 65127 Pescara – Tel.085896403 – cell. 3358127220
C.F./P.IVA 02112080680 – IBAN: IT85G0200815404000103574683

Musiche di Alan Menken
Liriche di Lynn Ahrens
Libretto di Mike Ockrent e Lynn Ahrens
ispirato al racconto di Charles Dickens

Compagnia dell’Alba con Roberto Ciufoli

Regia e coreografie di Fabrizio Angelini

La trama. È la vigilia di Natale, nella Londra del 1843, e tutti si accingono a festeggiare la ricorrenza. Solo il vecchio usuraio Ebenezer Scrooge, mal sopporta questa festività. Dopo aver cacciato in malo modo tre uomini che gli chiedono un contributo per i bisognosi, Scrooge, chiuso il negozio, si reca solitario verso la sua dimora. Durante la cena prima di andare a letto, riceve la visita dello spirito di Jacob Marley, suo vecchio socio, morto sette anni prima proprio la notte della vigilia di Natale. Lo spirito di Marley è avvolto da pesanti catene alle cui estremità pendono dei forzieri: catene che sono conseguenza dell’avidità e dell’egoismo perpetrati mentre era in vita. Scrooge, spaventato, chiede al vecchio socio come poter evitare la stessa sorte e Marley gli rivela di essere ancora in tempo per mutare il suo destino. Prima di congedarsi, gli annuncia l’immediata visita di tre spiriti: quello del Natale passato, quello del Natale presente e quello del Natale futuro. I tre spettri, tra flashback e premonizioni riusciranno a mutare l’indole meschina ed egoista di Scrooge, che si risveglierà la mattina di Natale con la consapevolezza che l’avidità del denaro e l’attaccamento alle sole cose materiali sono sbagliati: finalmente la carità e la fratellanza si faranno largo nel cuore del vecchio usuraio, che per la prima volta trascorrerà il Natale con il nipote Fred e la sua famiglia.

Note di regia. Il personaggio di Ebenezer Scrooge, al di là del semplice racconto e del significato intrinseco della novella dickensiana, potrebbe essere facilmente ricondotto ad una certa tendenza del mondo di oggi: quella dell’indifferenza, dell’intolleranza, dell’essere asociali, pur nell’epoca dei social. Tra un’umanità che va sempre più in fretta, oggi si tende spesso a rinchiudersi nel proprio guscio, nel proprio mondo, con il proprio cellulare e i propri auricolari, per isolarsi da tutto e da tutti. Ecco dunque che il monito del defunto amico Marley, che appare a Scrooge nelle vesti di uno spettro proprio per suggerirgli un cambiamento nella sua vita e nel suo carattere, dovrebbe essere un’esortazione per tutti noi, verso un atteggiamento che guardi maggiormente agli altri. Se tutto questo è poi accompagnato dalle meravigliose musiche di Alan Menken, per la prima volta presentate in Italia, allora un messaggio così forte non può che divenire vincente e positivo per farci riflettere, sia pure all’interno di una cornice divertente e di intrattenimento, su quanto una maggiore disponibilità verso il prossimo potrebbe cambiare e migliorare le nostre vite.

Ruben Jais, direttore

Robert McDuffie, violino solista

Nasce nel 2008 l’ultima delle formazioni artistiche legate alla Fondazione Orchestra Sinfonica e Coro Sinfonico di Milano Giuseppe Verdi, LaVerdi Barocca, ensemble specializzato nell’esecuzione del repertorio dal tardo rinascimento al primo classicismo. La formazione inizia la propria attività con una serie di concerti in Lombardia cui segue nella stagione 2009/2010, grazie al sostegno di pubblico e critica, la prima stagione all’interno delle attività della Verdi in Auditorium a Milano. Dopo cinque anni di intensa attività, che hanno visto l’orchestra cimentarsi con i massimi capolavori del repertorio barocco insieme a riscoperte di brani meno conosciuti, LaVerdi Barocca affronta quest’anno la sua prima tourné italiana portando la musica dei grandi compositori, da Bach a Vivaldi a Corelli, nei maggiori teatri del Centro e Sud Italia. Messiah di G.F.Handel, Oratorio di Natale e Pasqua di J.S. Bach, Messe di Monteverdi, Le Quattro Stagioni di Vivaldi sono alcuni dei capolavori sinfonici del repertorio dell’ensemble.

Ruben Jais è nato a Milano, contemporaneamente agli studi universitari, ha compiuto gli studi musicali presso il Conservatorio di Musica “Giuseppe Verdi”, diplomandosi con il massimo dei voti in Musica corale e Direzione di Coro e in Composizione Polifonica Vocale. Si è inoltre diplomato in Composizione e ha anche compiuto gli studi di Direzione d’Orchestra, perfezionandosi, in seguito, con masterclass all’estero. È stato Maestro del Coro presso il Coro Sinfonico di Milano Giuseppe Verdi dalla sua fondazione al 2007. Con tale ruolo ha collaborato, tra gli altri, con Riccardo Chailly, Claudio Abbado, Luciano Berio, Claus Peter Flor, Christopher Hogwood, Vladimir Jurowski, Helmuth Rilling.

La vita e la carriera del violinista Robert McDuffie è ricca di sfaccettature e dinamismo. Candidato più volte al Grammy Award, come solista alterna esibizioni con le più prestigiose orchestre sinfoniche del mondo, a collaborazioni con gli artisti più vari, tra questi Greg Allman e Chuck Leavell, l’attrice e drammaturga Anna Deavere, il ballerino di Jook Dance, Li’l Buck. Philip Glass gli ha dedicato il suo Concerto per Violino n. 2 – “Le Quattro Stagioni Americane”. L’icona del Rock Mike Mills (R.E.M.) ha composto per lui il famoso Concerto per violino, rock band e orchestra d’archi. Robert McDuffie è il fondatore del Rome Chamber Music Festival, mentre nella sua città natale, a Macon in Georgia, ha dato vita al Robert McDuffie Center for Strings, un centro musicale all’avanguardia, presso la Mercer University. La prima mondiale del Concerto “Le Quattro Stagioni Americane” l’ha suonata con la Toronto Symphony Orchestra, così come quella del Concerto per violino e rock band. Con la London Philharmonic diretta da Marin Alsop, ha inciso “Le Quattro Stagioni Americane” di Glass, per l’Orange Mountain Music label. Con la stessa etichetta e Mike Mills, il Concerto per violino e rock band. Per Telarc e EMI i concerti per Violino di Medelssohn, Bruch, Adams, Glass, Barber, Rózsa, Bernstein, William Schuman, e popolari brani viennesi per violino. È stato intervistato da NBC’s Today, CBS Sunday Morning, PBS’s Charlie Rose, A&E’s Breakfast with the Arts e dal Wall Street Journal. Nel 2017 McDuffie ha eseguito una tournée negli Stati Uniti insieme alla Bruckner Orchestra di Linz, dopo il Rome Chamber Music Festival andrà in Nuova Zelanda e intraprenderà ulteriori collaborazioni con l’attrice/drammaturga Anna Deavere Smith. Come Fondatore del Rome Chamber Music Festival e visto il suo importate contributo alla vita culturale della città, gli è stato conferito il “Premio Simpatia” direttamente dal Sindaco di Roma. McDuffie è titolare della cattedra Mansfield and Genelle Jennings Distinguished University Professor Chair della Mercer University. Suona un violino Guarneri del Gesù del 1735, conosciuto come il “Ladenburg”. Vive a New York City.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Direzione artistica, Francesca Magnini

Ideazione e coreografia, Massimiliano Volpini

Musica, Piotr Ilijc Ciajkovskij

Scene e costumi, Erika Carretta

Non è Natale senza Lo Schiaccianoci ma, si sa, non è Natale solo dove splende la luce. La rilettura del più classico dei classici, ideata dal coreografo scaligero, ribalta l’ambientazione originale del primo atto, sostituendo all’enorme casa borghese in festa la strada di un’immaginaria periferia metropolitana: qui, abitanti senzatetto e ribelli senza fortuna vivono come comunità d‘invisibili, adattandosi agli stenti della quotidianità e agli scarti della città. Un muro imponente separa due strati di società, chiudendo fisicamente e idealmente una fetta d’umanità disagiata in un angolo di vita separata e nascosta.

Nessun pupazzo o soldatino, ma solo un principe, il Fuggitivo, e la sua amata: i due giovani temerari tenteranno il grande salto oltre il muro e affronteranno bande di uomini oscuri, vigilanti di rivoluzionari tumulti. La tradizionale ‘battaglia dei topi’ si trasformerà in un cruento scontro di strada il cui esito sarà l’evasione del Fuggitivo e la salvezza di Clara. Attraverso il coraggioso passaggio a un’altra dimensione – il viaggio immaginario di Clara è tutto ciò che avviene nella testa della giovane un attimo prima di decidere se seguire o no il suo eroe verso luoghi ignoti – la coppia di avventurosi inizierà una nuova vita, non bella e fantasiosa come quella immaginata, ma pur sempre fiduciosa verso il futuro.

Il secondo atto riaggancia ambientazioni e personaggi della tradizione, in un viaggio tra danze di mondo e personaggi bizzarri, un incanto che cancellerà per un attimo gli incubi grigi di una vita nell’ombra. La magia non durerà tuttavia per sempre e sul finale Clara, pur tentando davvero la fuga da quel luogo, tornerà ad osservare il muro della sua prigionia con la consapevolezza di un’impossibile liberazione: dall’altra parte continueranno a vivere gli invisibili, estranei al suo nuovo mondo come pezzi mancanti di un’umanità irrisolta.

Ma cosa rappresenta davvero la festività nella contemporaneità? Volpini l’ha voluta immaginare come una Pandora dei tempi moderni, sorpresa a scoperchiare un grande vaso di verità. Sorpresa. Proprio così è l’effetto che il vetro, la plastica, il legno, la carta e il cartone – materiali molto preziosi recuperati e riutilizzati grazie al riciclo creativo – hanno dato vita nei costumi e nelle scenografie di questo originale Schiaccianoci del Balletto di Roma. Il passo verso una riflessione sul tema ecologico è breve, un contesto avvertito ormai come una vera e propria necessità di riscoperta del sé.

È tramite un processo giocoso e naturale che Lo Schiaccianoci svela pezzi di tela, cartone, plastica e quant’altro disponibile alla fantasia, inventando nuovi mondi e dimensioni che strappano questi oggetti dal rischio di trasformarsi in un semplice “rifiuto”. Un’attenta analisi delle caratteristiche dei materiali, dimenticata la loro funzione iniziale, ha aiutato a dare agli oggetti una nuova vita, una nuova storia, sfruttandone potenzialità e caratteristiche specifiche, in una corroborante e creativa fase di studio e progettazione. Così una vecchia scatola di cartone dimenticata in soffitta si scompone in tante divertenti sagome da appendere a un albero di Natale fatto di bottiglie di plastica e una manciata di vecchi bottoni spaiati o di tappi colorati potrà rappresentare una fantasiosa alternativa a perline per bijoux.

Lo Schiaccianoci di Volpini è uno stimolo ecologico a riflettere anche sulla condizione delle persone-rifiuto, sullo smarrimento d’identità sociale e sui mille volti del nostro “essere”; se ci si arrende all’idea che questa entità sia unica e immutabile, infatti, si rischia di “ammalarsi” di noia, insoddisfazione e apatia. Quest’opera fa pensare che in tutti noi si possa sempre nascondere una piacevole sorpresa e che è importante coltivare i sogni custoditi in fondo ai cassetti perché potrebbero rivelarsi meravigliosi progetti di vita nuova, troppo spesso offuscati dalla paura e dall’incapacità di affrontare una svolta decisiva: imparare a “riciclarsi” con la stessa gioia e facilità con cui da bambini giocavamo con un pezzo di carta.

Sulle note di Piotr Ilijc Ciaikovskij Massimiliano Volpini porta in scena, attraverso una danza fresca e attuale, una riflessione lucida e insieme poetica sul classico natalizio che tutti conosciamo, stimolando lo spettatore a osservare la fiaba da più punti di vista. Pur nella conservazione del binomio realtà/sogno, questo Schiaccianoci scopre i risvolti terreni e umani di una società contemporanea piena di contraddizioni. Una rilettura carica di emozioni positive, che ci fa assaporare una prospettiva di trasformazione continua, delle persone e delle cose.

Edoardo Zosi, Liù Pellicari, violini

Benedetta Bucci, viola

Danilo Squitieri, violoncello

Il Quartetto Adorno si è fatto conoscere a livello internazionale aggiudicandosi il Terzo Premio (con Primo non assegnato), il Premio del Pubblico e il Premio Speciale per la migliore esecuzione del brano contemporaneo di Silvia Colasanti nell’edizione 2017 del Concorso Internazionale “Premio Paolo Borciani”. Nella storia trentennale del Concorso nessun quartetto italiano aveva ottenuto un riconoscimento così importante. Musicisti quali Alfred Brendel, Paul Badura-Skoda, Miguel Da Silva (Quatuor Ysaye), il Takács Quartet, hanno espresso lusinghieri apprezzamenti per il Quartetto Adorno. Fondato nel 2015 da Edoardo Zosi, Liù Pelliciari, Benedetta Bucci e Danilo Squitieri, si è perfezionato presso la Scuola di Musica di Fiesole con Miguel Da Silva (Quatuor Ysaye), A. Nannoni, A. Farulli. Il nome del Quartetto è un omaggio al filosofo Theodor Wiesengrund Adorno che, in un’epoca di declino musicale e sociale, individuò nella musica da camera una chiave di salvezza per perpetuare un vero rapporto umano, secondo i valori del rispetto e dell’anelito alla perfezione.

Il Quartetto Adorno ha tenuto concerti per importanti Società Musicali italiane ed estere. Nel 2016 il loro debutto nella Sala Verdi del Conservatorio di Milano dove si sono esibiti anche con il pianista Paul Badura-Skoda. Vincitori nell’ambito di “2016 ISA Internationale Sommerakademie” del Premio “2. Wiener Schule Preis” per la miglior esecuzione di un quartetto appartenente alla seconda scuola di Vienna, si sono esibiti in diretta radiofonica per la ORF Radio KulturHaus di Vienna. Molto interessato alla musica contemporanea, il Quartetto è dedicatario del brano di Regis Campò Energy/Fly. Un particolare ringraziamento ad Asmana Wellness World Firenze per il grande sostegno all’attività del Quartetto Adorno.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Suonare, insegnare, divulgare, organizzare nuovi modi di proporre la musica sono aspetti inscindibili dell’esperienza artistica di Domenico Di Leo. Già docente al Conservatorio N. Piccinni di Bari, dal 1998 insegna Musica da Camera al Conservatorio Nino Rota di Monopoli. La sua ricerca sui repertori, sull’interpretazione, sulle diverse forme ed esperienze del fare musica, è il segno di un’apertura culturale alimentata anche dagli studi artistici. Vincitore di premi nazionali e internazionali, ha arricchito la sua formazione grazie alle tante collaborazioni con strumentisti, cantanti e direttori d’orchestra italiani e stranieri. Nella sua lunga esperienza concertistica in Italia e in Europa ha maturato un personale stile interpretativo, tra rigore intellettuale e profonda conoscenza del testo e della prassi, spontaneità e forza emotiva. Il suo vasto repertorio va da Bach alla musica contemporanea. È impegnato nella riscoperta di autori meno frequentati (è tra i pochi specialisti italiani di Alkan) e di compositrici. Ha diretto iniziative concertistiche innovative, in Italia e in Francia. Conduce un fortunato ciclo di appuntamenti Chiavi di Lettura (circa cinquanta appuntamenti realizzati, attirando un gran numero di appassionati) ed è coinvolto in progetti dedicati alla divulgazione e all’incontro tra musica, arti, idee, tra musicisti e pubblico.

Stefano Zenni insegna Storia del jazz e Analisi delle forme jazz nei Conservatori di Bologna e Firenze. Da più di vent’anni è il direttore della rassegna MetJazz presso la Fondazione Teatro Metastasio di Prato. Ha diretto il Torino Jazz Festival dal 2013 al 2017. È autore di libri su Louis Armstrong, Herbie Hancock, Charles Mingus, tra cui I segreti del jazz e la vasta Storia del jazz. Una prospettiva globale. Il suo ultimo libro è Che razza di musica. Jazz, blues, soul e le trappole del colore. Dal 2012 tiene con successo la serie di Lezioni di jazz presso l’Auditorium Parco della Musica di Roma. È stato a lungo collaboratore di Musica Jazz e del Giornale della Musica. Redige le voci jazz per il Dizionario Biografico degli Italiani dell’Istituto Treccani e del Grove Dictionary of Jazz. È stato candidato ai Grammy Awards come autore delle migliori note di copertina. Collabora da circa vent’anni con Rai Radio3.

Musiche di Giorgio Gaber

con NANCY BRILLI

e la partecipazione di FIORETTA MARI

Regia Lina Wertmüller

Note di regia di Lina Wertmüller
A dispetto del titolo, questa non è una commedia femminista. Adattata dalla pièce scritta negli anni ‘80 da Iaia Fiastri, A che servono gli uomini? è più attuale che mai, toccando un tema caro a molte donne sole: il desiderio di avere un figlio. Con leggerezza, ironia, equivoci e tante risate, la commedia racconta l’avventura di una donna determinata, che ritiene di poter vivere felicemente sola e che decide, prima che sia troppo tardi, di mettere al mondo un figlio, sfruttando le possibilità della fecondazione artificiale. Ma è proprio la gravidanza a mettere Teo – la protagonista interpretata dalla brava e spiritosa Nancy Brilli – di fronte alla sua solitudine e a mettere in discussione la sua visione del mondo. Nata nella tradizione a me molto cara del teatro di Garinei & Giovannini, A che servono gli uomini? sarà per me come un ritorno a casa, agli anni in cui muovevo i miei primi passi nel mondo dello spettacolo, sotto le ali leggere e musicali dello storico duo. Ed è anche un affettuoso omaggio a chi dopo di me è stata al loro fianco, e al grande musicista Giorgio Gaber, autore delle canzoni.

Note di Nancy Brilli
Diceva il grande Pietro Garinei che se Jaja Fiastri fosse nata in America sarebbe stata una Lillian Hellmann, o una Nora Ephron. In realtà qui da noi ha dovuto lottare per veder riconosciuto il suo reale valore, per vedere il suo nome al posto giusto. Da grande commediografa è stata capace di utilizzare la leggerezza come qualità fondamentale, come risposta alla crisi di cui tutti siamo testimoni, un modo talentuoso per trovare la forza di modificare la realtà. Un autore immenso come Calvino sosteneva nelle sue Lezioni americane che “la leggerezza si associa con la precisione e la determinazione, la vivacità e l’intelligenza sfuggono alla condanna della pesantezza”. Nulla può trovarmi più d’accordo. Fortunatamente non ho il complesso della ponderosità, piuttosto ho il mito dell’intelligente ironia, e ne vado continuamente in cerca per i miei spettacoli. Avevo 23 anni quando Jaja terminò questo testo, unico per il quale Giorgio Gaber abbia scritto le musiche, e mi ha continuato a chiedere, nel tempo, di portarlo in scena. Lo faccio ora. Questa non è solo una commedia, è un atto d’amore.

Bruna Pulini, Stefano Ferrario e Jacopo Di Tonno decidono di far confluire la loro passione per la musica da camera in un progetto che permette loro di approfondire e divulgare il grande repertorio per trio. I tre musicisti hanno compiuto brillantemente i loro studi musicali con Rachele Marchegiani, Sergio Marengoni, Noel Flores, Pavel Gililov, Enrico Dindo, Piero Farulli, Dora Schwarzberg, Rainer Kussmaul e Salvatore Accardo presso l’Accademia Stauffer di Cremona, l’Universität für Musik und darstellende Kunst di Vienna, la Musikhochschule di Freiburg e l’Accademia di Fiesole. Le solide esperienze solistiche portano Stefano a ricoprire il ruolo di Primo violino di spalla dell’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento, Jacopo quello di primo violoncello dei Solisti di Pavia e Bruna all’affermazione in numerosi concorsi nazionali e internazionali di esecuzione pianistica. I tre strumentisti provengono da esperienze di alto spessore artistico come membri di formazioni cameristiche consolidate quali Ensemble dei due Mondi, Duo Ferrario-Pulini, Duo Di Tonno-Pulini, Trio Bettinelli, Quartetto Magadis che li vedono protagonisti di numerosi concerti in Italia e all’estero (Concerti del Quirinale Roma, Sala dell’Accademia Nazionale di Riga, Festival MiTo, Sala del Lingotto di Torino, Köln, Bonn, Koblenz, Vienna, Auditorium San Barnaba di Brescia, ecc.).

La loro formazione cameristica si avvale del prezioso apporto di musicisti del calibro del Quartetto Alban Berg , Günter Pichler, Pavel Gililov, presso l’Accademia Chigiana di Siena e la Musikochschule di Köln. Il Trio si è esibito in numerosi concerti (Sala Filarmonica di Trento, Pavillon de Fleurs Kurhaus Meran) facendosi apprezzare per le capacità tecniche, le qualità interpretative e l’affiatamento musicale.

Claudio Santangelo, marimba

Stefano Delle Donne, violino

Il SinfonicaMenteDuo nasce dall’incontro di due elementi destinati, per propria natura, a percorrere strade diverse; come l’uomo aspira inconsciamente alla propria completezza, anche lo strumento tende all’insieme. Dopo aver vissuto numerose esperienze, i due musicisti decidono di unirsi in concerto con il desiderio di regalare al pubblico sensazioni ed emozioni che colorano diversamente la musica. I musicisti suonano brani di vari generi e di diverse epoche, dal 17° secolo ad oggi, ciascuno caratterizzato da un colore specifico che parte dal valore fisico della nota e si sviluppa in una sinfonia di suoni grazie ad una semplice verità: rispetto per la musica ma soprattutto rispetto per la vita.

Il “giovane” Duo si è già esibito in Italia e in Europa suscitando entusiastici commenti di pubblico e di critica. I due musicisti, singolarmente, hanno già avuto esperienze in diversi campi, dalla musica da camera all’orchestra, passando per esibizioni soliste e la didattica in Italia e all’estero: Spagna, Germania, Svizzera, Croazia, Francia, Polonia, Russia e Cina. Il marimbista Claudio Santangelo è docente di Percussioni al Conservatorio di Musica “U. Giordano” di Foggia e il violinista Stefano delle Donne presso l’Accademia musicale di Imola.