Suonare, insegnare, divulgare, organizzare nuovi modi di proporre la musica sono aspetti inscindibili dell’esperienza artistica di Domenico Di Leo. Già docente al Conservatorio N. Piccinni di Bari, dal 1998 insegna Musica da Camera al Conservatorio Nino Rota di Monopoli. La sua ricerca sui repertori, sull’interpretazione, sulle diverse forme ed esperienze del fare musica, è il segno di un’apertura culturale alimentata anche dagli studi artistici. Vincitore di premi nazionali e internazionali, ha arricchito la sua formazione grazie alle tante collaborazioni con strumentisti, cantanti e direttori d’orchestra italiani e stranieri. Nella sua lunga esperienza concertistica in Italia e in Europa ha maturato un personale stile interpretativo, tra rigore intellettuale e profonda conoscenza del testo e della prassi, spontaneità e forza emotiva. Il suo vasto repertorio va da Bach alla musica contemporanea. È impegnato nella riscoperta di autori meno frequentati (è tra i pochi specialisti italiani di Alkan) e di compositrici. Ha diretto iniziative concertistiche innovative, in Italia e in Francia. Conduce un fortunato ciclo di appuntamenti Chiavi di Lettura (circa cinquanta appuntamenti realizzati, attirando un gran numero di appassionati) ed è coinvolto in progetti dedicati alla divulgazione e all’incontro tra musica, arti, idee, tra musicisti e pubblico.

Stefano Zenni insegna Storia del jazz e Analisi delle forme jazz nei Conservatori di Bologna e Firenze. Da più di vent’anni è il direttore della rassegna MetJazz presso la Fondazione Teatro Metastasio di Prato. Ha diretto il Torino Jazz Festival dal 2013 al 2017. È autore di libri su Louis Armstrong, Herbie Hancock, Charles Mingus, tra cui I segreti del jazz e la vasta Storia del jazz. Una prospettiva globale. Il suo ultimo libro è Che razza di musica. Jazz, blues, soul e le trappole del colore. Dal 2012 tiene con successo la serie di Lezioni di jazz presso l’Auditorium Parco della Musica di Roma. È stato a lungo collaboratore di Musica Jazz e del Giornale della Musica. Redige le voci jazz per il Dizionario Biografico degli Italiani dell’Istituto Treccani e del Grove Dictionary of Jazz. È stato candidato ai Grammy Awards come autore delle migliori note di copertina. Collabora da circa vent’anni con Rai Radio3.

Musiche di Giorgio Gaber

con NANCY BRILLI

e la partecipazione di FIORETTA MARI

Regia Lina Wertmüller

Note di regia di Lina Wertmüller
A dispetto del titolo, questa non è una commedia femminista. Adattata dalla pièce scritta negli anni ‘80 da Iaia Fiastri, A che servono gli uomini? è più attuale che mai, toccando un tema caro a molte donne sole: il desiderio di avere un figlio. Con leggerezza, ironia, equivoci e tante risate, la commedia racconta l’avventura di una donna determinata, che ritiene di poter vivere felicemente sola e che decide, prima che sia troppo tardi, di mettere al mondo un figlio, sfruttando le possibilità della fecondazione artificiale. Ma è proprio la gravidanza a mettere Teo – la protagonista interpretata dalla brava e spiritosa Nancy Brilli – di fronte alla sua solitudine e a mettere in discussione la sua visione del mondo. Nata nella tradizione a me molto cara del teatro di Garinei & Giovannini, A che servono gli uomini? sarà per me come un ritorno a casa, agli anni in cui muovevo i miei primi passi nel mondo dello spettacolo, sotto le ali leggere e musicali dello storico duo. Ed è anche un affettuoso omaggio a chi dopo di me è stata al loro fianco, e al grande musicista Giorgio Gaber, autore delle canzoni.

Note di Nancy Brilli
Diceva il grande Pietro Garinei che se Jaja Fiastri fosse nata in America sarebbe stata una Lillian Hellmann, o una Nora Ephron. In realtà qui da noi ha dovuto lottare per veder riconosciuto il suo reale valore, per vedere il suo nome al posto giusto. Da grande commediografa è stata capace di utilizzare la leggerezza come qualità fondamentale, come risposta alla crisi di cui tutti siamo testimoni, un modo talentuoso per trovare la forza di modificare la realtà. Un autore immenso come Calvino sosteneva nelle sue Lezioni americane che “la leggerezza si associa con la precisione e la determinazione, la vivacità e l’intelligenza sfuggono alla condanna della pesantezza”. Nulla può trovarmi più d’accordo. Fortunatamente non ho il complesso della ponderosità, piuttosto ho il mito dell’intelligente ironia, e ne vado continuamente in cerca per i miei spettacoli. Avevo 23 anni quando Jaja terminò questo testo, unico per il quale Giorgio Gaber abbia scritto le musiche, e mi ha continuato a chiedere, nel tempo, di portarlo in scena. Lo faccio ora. Questa non è solo una commedia, è un atto d’amore.

Bruna Pulini, Stefano Ferrario e Jacopo Di Tonno decidono di far confluire la loro passione per la musica da camera in un progetto che permette loro di approfondire e divulgare il grande repertorio per trio. I tre musicisti hanno compiuto brillantemente i loro studi musicali con Rachele Marchegiani, Sergio Marengoni, Noel Flores, Pavel Gililov, Enrico Dindo, Piero Farulli, Dora Schwarzberg, Rainer Kussmaul e Salvatore Accardo presso l’Accademia Stauffer di Cremona, l’Universität für Musik und darstellende Kunst di Vienna, la Musikhochschule di Freiburg e l’Accademia di Fiesole. Le solide esperienze solistiche portano Stefano a ricoprire il ruolo di Primo violino di spalla dell’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento, Jacopo quello di primo violoncello dei Solisti di Pavia e Bruna all’affermazione in numerosi concorsi nazionali e internazionali di esecuzione pianistica. I tre strumentisti provengono da esperienze di alto spessore artistico come membri di formazioni cameristiche consolidate quali Ensemble dei due Mondi, Duo Ferrario-Pulini, Duo Di Tonno-Pulini, Trio Bettinelli, Quartetto Magadis che li vedono protagonisti di numerosi concerti in Italia e all’estero (Concerti del Quirinale Roma, Sala dell’Accademia Nazionale di Riga, Festival MiTo, Sala del Lingotto di Torino, Köln, Bonn, Koblenz, Vienna, Auditorium San Barnaba di Brescia, ecc.).

La loro formazione cameristica si avvale del prezioso apporto di musicisti del calibro del Quartetto Alban Berg , Günter Pichler, Pavel Gililov, presso l’Accademia Chigiana di Siena e la Musikochschule di Köln. Il Trio si è esibito in numerosi concerti (Sala Filarmonica di Trento, Pavillon de Fleurs Kurhaus Meran) facendosi apprezzare per le capacità tecniche, le qualità interpretative e l’affiatamento musicale.

Claudio Santangelo, marimba

Stefano Delle Donne, violino

Il SinfonicaMenteDuo nasce dall’incontro di due elementi destinati, per propria natura, a percorrere strade diverse; come l’uomo aspira inconsciamente alla propria completezza, anche lo strumento tende all’insieme. Dopo aver vissuto numerose esperienze, i due musicisti decidono di unirsi in concerto con il desiderio di regalare al pubblico sensazioni ed emozioni che colorano diversamente la musica. I musicisti suonano brani di vari generi e di diverse epoche, dal 17° secolo ad oggi, ciascuno caratterizzato da un colore specifico che parte dal valore fisico della nota e si sviluppa in una sinfonia di suoni grazie ad una semplice verità: rispetto per la musica ma soprattutto rispetto per la vita.

Il “giovane” Duo si è già esibito in Italia e in Europa suscitando entusiastici commenti di pubblico e di critica. I due musicisti, singolarmente, hanno già avuto esperienze in diversi campi, dalla musica da camera all’orchestra, passando per esibizioni soliste e la didattica in Italia e all’estero: Spagna, Germania, Svizzera, Croazia, Francia, Polonia, Russia e Cina. Il marimbista Claudio Santangelo è docente di Percussioni al Conservatorio di Musica “U. Giordano” di Foggia e il violinista Stefano delle Donne presso l’Accademia musicale di Imola.

con LUIGI LO CASCIO – SERGIO RUBINI

e con Lorenzo Lavia, Roberto Salemi, Geno Diana, Alice Bertini

Adattamento Carla Cavalluzzi e Sergio Rubini
Scena Gregorio Botta
Costumi Chiara Aversano
Musiche Giuseppe Vadalá

Regia Sergio Rubini

Dracula è prima di tutto un viaggio notturno verso l’ignoto. Non solo un viaggio tra lupi che ululano, grandi banchi di foschia e croci ai bordi delle strade. Ma è anche un viaggio interiore che è costretto ad intraprendere il giovane procuratore londinese Jonathan Harker, incaricato di recarsi in Transilvania per curare l’acquisto di un appartamento a Londra effettuato da un nobile del luogo. Il giovane avvocato non immagina la sciagura che lo attende, ma immediatamente, appena ha inizio il suo viaggio, sprofonda in un clima di mistero e di scongiuri.

È proprio in questo clima di illusione, di oscurità e paura che il giovane Harker verrà calato prima ancora di conoscere il Conte e quando si accosterà al cancello del Castello, come chi sopraggiunto nell’Ade comprenderà di essere finito in una tomba. Ma il viaggio che compie il giovane Harker non si limita a quell’esperienza fatta di angoscia e paura. L’orrore di ciò che ha vissuto al Castello deborda e finisce con l’inghiottire tutta quanta la sua esistenza, diventa un’ossessione che contamina tutto ciò che ha di più caro, destabilizzando irrimediabilmente ogni certezza. Di questo contagio ne è vittima in primo luogo sua moglie Mina, a cui Jonathan inizialmente non ha il coraggio di raccontare quanto accaduto. È dalla lettura del diario redatto durante il soggiorno-prigionia di Jonathan al Castello che Mina viene a conoscere l’origine di quel malessere, che sembra essersi impossessato del suo giovane sposo e averlo mutato profondamente.

Un malessere che come una malattia incurabile finirà per consumare anche lei. Una dimensione dove il buio prevarrà sulla luce, il chiarore ferirà come una lama lo sguardo, il cupo battere di una pendola segnerà il tempo del non ritorno, uno scricchiolio precederà una caduta e il silenzio l’arrivo della bestia che azzanna e uccide. Una realtà malata dove sarà impossibile spezzare la tensione e da cui sembrerà difficile uscirne vivi.

Direttore artistico, Timur Gareev

Musiche, P.I. Ciaikovskij

Coreografie, M. Petipa

Il Balletto di San Pietroburgo “Classical Ballet Tradition” o anche anticamente chiamato “Balletto sul Neva” è una storica compagnia privata fondata a San Pietroburgo nel 1877. Nasce per volontà di nobili borghesi russi con lo scopo di divulgare la grande tradizione del balletto classico. Il corpo di ballo è formato da 38 ballerini provenienti dalle migliori accademie di danza di Mosca, San Pietroburgo, Ufa e Perm, nonché vincitori di numerosi concorsi internazionali di balletto.

Il repertorio della Compagnia include tutti i titoli classici della danza: Lo Schiaccianoci, Il Lago dei Cigni, La Bella Addormentata, Giselle, Don Chisciotte, Cenerentola, Romeo e Giulietta, Carmen. Il Balletto di San Pietroburgo è stato protagonista di numerose tournée internazionali riscuotendo ovunque grande apprezzamento di pubblico e di critica. L’attuale direttore artistico della Compagnia è Timur Gareev, ex solista del Teatro dell’Opera e Balletto di Novosibirsk.

I costumi e le scenografie sono state create appositamente per il tour italiano sulla base dei canoni artistici del grande Teatro Imperiale Russo. Le scenografie e le coreografie rispettano le regole tecniche e grafiche della classica produzione di Marius Petipa, impegnando a tal fine i migliori scenografi russi di questi ultimi anni.

Manuel Barrueco è riconosciuto in tutto il mondo come uno dei più importanti chitarristi, apprezzato per la maestria tecnica e per la straordinaria musicalità, con un suono seducente e doti liriche non comuni. Nato a Cuba, iniziò a suonare ad orecchio la chitarra a otto anni frequentando poi il Conservatorio della sua città natale. Trasferitosi negli USA, continuò gli studi a Miami e a New York ed entrò al Peabody Conservatory di Baltimora, dove oggi insegna. La sua intensa attività internazionale lo vede suonare ogni anno nelle più importanti capitali del mondo. Ha registrato per EMI una dozzina di dischi. L’incisione del “Concierto de Aranjuez” di Rodrigo con Placido Domingo come direttore e la Philharmonia Orchestra è stata definita “la migliore registrazione di quest’opera” da “Classic CD Magazine”. Il suo cd “Nylon & Steel” con il jazzista Al Di Meola, Steve Morse dei Deep Purple e Andy Summers dei Police è un’ennesima dimostrazione della sua grande versatilità. Barrueco ha suonato fra l’altro sotto la direzione di Seiji Ozawa, Esa-Pekka Salonen, Franz Welser-Möst e David Zinman, e il suo interesse all’arricchimento del repertorio chitarristico lo ha portato a collaborare con compositori contemporanei quali Arvo Pärt, Toru Takemitsu, Roberto Sierra e Steven Stucky. Nel 2011 è stato insignito del prestigioso premio “United States Artists Fellowship for Artistic Excellence”.

Concerto realizzato nell’ambito del Progetto Circolazione Musicale in Italia del

Presentazione del nuovo modello di pianoforte Bechstein

FRANCESCO CARAMIELLO, pianoforte

QUARTETTO NOÛS
Tiziano Baviera, violino
Alberto Franchin, violino
Sara Dambruoso, viola
Tommaso Tesini, violoncello

Francesco Caramiello, allievo di Vincenzo Vitale e di Massimo Bertucci, si è diplomato presso il Conservatorio di Napoli e si è perfezionato con Aldo Ciccolini. Si è inoltre diplomato in composizione sotto la guida di Bruno Mazzotta. Si è esibito in qualità di solista al Barbican Centre di Londra, all’Opernhause di Norimberga, al Merkin Concert Hall di New York, al Teatro San Carlo di Napoli, ed in Polonia, Francia, Norvegia, Messico e Giappone. Ha suonato con la Philharmonia Orchestra di Londra, i Nürnberger Philharmoniker, l’Orchestra giovanile del Mozarteum di Salisburgo, l’Orchestra del Teatro Comunale di Cagliari, l’Orchestra Sinfonica Siciliana collaborando con direttori quali Gabor Otvös, Francesco d’Avalos, Ino Turturo, Fabrizio Ventura. Insegna presso il Conservatorio di Avellino.

La sua discografia comprende opere di Martucci (la prima registrazione mondiale dei due concerti per pianoforte), Sgambati (integrale della musica pianistica, il Concerto per pianoforte e orchestra op. 15 e la musica cameristica in collaborazione con il Quartetto Ex Novo), la musica per pianoforte a quattro mani di Respighi con Gabriele Baldocci, e autori americani da Gottschalk a Carter. Hanno scritto di lui: “Apollineo nella linea di Arrau (…) ha interpretato con impeccabile maestria Haydn e Debussy” (Lázaro Azar su Reforma); “Eccellenza musicologica e interpretativa” (Riccardo Risaliti su Classic cd); “A revelation… I am mightily impressed by this pianist” (Fanfare); “It is good to have such an assured and authoritative performance” (Richard Osborne su Gramophone); “Ha dita splendide, una franca tensione virtuosistica e una musicalità fresca e diretta (…) una tecnica scintillante ed un completo controllo formale” (Piero Rattalino su Musica).

Antonella De Angelis, direttore

Laura Marzadori, violino solista

L’Orchestra Femminile del Mediterraneo (OFM) è una compagine interculturale che nasce con obiettivi quali Musica per la pace, la cultura e l’educazione. Oltre al repertorio classico, mette in atto particolari connubi musicali collaborando con il jazzista Danilo Rea, il premio Oscar Luis Bacalov, la cantante e attrice Saba Anglana e altri. Propone inoltre progetti musicali a sostegno di iniziative dedicate ai diritti delle donne, alla valorizzazione dell’arte e della cultura del Mediterraneo e a scopi umanitari. Tra questi, di grande successo “Ad Auschwitz c’era un’orchestra femminile”, vera storia dell’unica orchestra femminile internata nel campo di Birkenau,”Rosamara – storie di donne migranti” e “Snaturate. Storie di donne in manicomio”.

Antonella De Angelis, fondatrice dell’Orchestra Femminile, è ritenuta “fra i più interessanti direttori della sua generazione” dal Maestro Donato Renzetti, con il quale ha studiato direzione d’orchestra conseguendo il Diploma Triennale di Perfezionamento con il massimo dei voti all’Accademia Musicale Pescarese. L’Accademia Europea di Direzione d’Orchestra ed il Maestro Lior Shambadal (Direttore stabile dei Berliner Symphoniker) l’hanno insignita della Menzione di Merito per la direzione delle sinfonie di Beethoven. Ha diretto numerose orchestre internazionali ricevendo ottime critiche musicali. Tra le poche direttrici donne italiane, si contraddistingue per il talento e l’originalità.

adattamento teatrale Edoardo Erba

con MARIA AMELIA MONTI

e con Roberto Citran, Sabrina Scuccimarra, Sebastiano Bottari, Marco Celli, Giulia De Luca, Stefano Guerrieri, Laura Serena

Scena Luigi Ferrigno
Costumi Alessandro Lai
Musiche Francesco Forni

Regia Pierpaolo Sepe

Note di regia. Non stupisce come tra tutti i generi – letterari e non – il Giallo rimanga il più popolare. Come del resto testimonia il proliferarsi di serie tv che portano questo marchio, e quello dei suoi vari sottogeneri: noir, thriller, poliziesco. Ciò che sorprende invece è il fatto che un ambito così truculento abbia tra i capostipiti un’anziana signora inglese, Agatha Christie, e che proprio a lei dobbiamo l’invenzione di una delle prime “criminologhe” della storia: Miss Jane Marple. Da abile conoscitrice della natura umana, Christie ha saputo sfruttare, come nessun altro, la sottile seduzione che l’uomo avverte nei confronti del suo aspetto più letale, dei suoi istinti più cruenti, e se ne è servita per costruire trame che rimangono tutt’oggi capolavori di suspense e di mistero.

I lavori di Agatha Christie non sono certo una novità per Edoardo Erba, traduttore italiano dei suoi testi teatrali e autore del nostro adattamento, ma è stato solo con l’apporto di un’attrice del calibro di Maria Amelia Monti che è stato possibile immaginarsi di portare per la prima volta sul palcoscenico la sua detective più famosa; Miss Marple, per l’appunto. Ho lasciato libera Maria Amelia di inventare la ‘sua’ Marple, e quel che ne è risultato è un personaggio molto diverso dalla placida vecchina di campagna, come siamo soliti vederla. Questa Marple assomiglia molto di più a quella dei primi romanzi della Christie; più dispettosa, rustica e imprevedibile, ma sempre dotata di quella logica affilata che le permette di arrivare al cuore delle vicende.

La vediamo seduta a fare la sua maglia, come chi insegue una linea di pensiero intrecciato su se stesso, per sbrogliare la matassa e ritrovare il filo della verità. Come un fool scespiriano in continuo contrappunto con il resto dei personaggi – indaffarati a inseguire i propri affanni – Miss Marple sottolinea con ironia e leggerezza le ridicole passioni da cui nessuno è immune, restituendoci con sfrontata franchezza la natura umana per quella che è, senza lasciarsi abbindolare dalle maschere che quotidianamente indossiamo per celarla agli occhi degli altri. Le scene, le luci, i costumi e le musiche, concorrono a costruire un thriller cupo e carico di tensione, continuamente alleggerito dall’intelligente e irresistibile ironia di Maria Amelia Monti. Bisogna veramente essere dei grandi prestigiatori per raccontare i Gialli, e dove, se non a teatro – il luogo della dissimulazione per eccellenza – può riuscire il trucco più rischioso di tutti?